有“玉女派”开山鼻祖美称的周慧敏从小就自学画画，1997年从圈中隐退后，便在温哥华拜师学习专业绘画。周慧敏的知名画作是油画《新疆老翁》。2001年在水溶剂绘画展中，周慧敏就是凭借这幅画获得了“视艺新纪元奖”，其后又凭作品《望过去，看将来》入围首届“中国水彩人物画展”。美术界行家们对“不务正业”的周慧敏的画功赞不绝口，甚至有画廊力邀她举办画展，但被她执意拒绝。周慧敏认为人贵有自知之明，大家抬举自己主要还是因为以往的知名度。而男友倪震也对周慧敏的这种“出世”态度颇为赞同，他不希望女友的兴趣爱好变得充满“铜臭”。对他俩来说，仿佛没有什么比幸福的恋爱生活更为重要了。

     知道周慧敏是美女的人很多，知道周慧敏是歌手的人很多，知道周慧敏是明星的更多。但是，知道周慧敏是画家的人很少，知道周慧敏是散文写作牛人的就更少。下面我们就一起来看看这位美女明星的另一面。

不敢妄言评论这些作品就是伟大的艺术创作，但要说它是优秀的绘画作品我想绝不为过，这些东西就是我们所不了解的才女周慧敏的另一面。我想这足以说明一个问题，一个认知的问题。在中国，无论是垄断性质的各家媒体，还是伟大教育界，无论是平民百姓，还是高官学者，有相当大的一部分的人都进入了艺术的误区。

　　艺术，本包括了音乐，舞蹈，绘画，表演，文学，美术等多项科目。而在我们中国大部分人的眼中，仅仅记住的就是那些歌手，以及舞蹈演员。因为它们相对有很多出台的机会，因为媒体的错误认知把一切经历都投入到了它们当中，甚至没得炒了连它们的绯闻也漫天飞扬。而忽视了艺术的其他科目，美术界的大腕也就几乎无人认识，当然除了行内人士外。媒体无知的认为会唱歌的就是艺术家，会演电影的就是艺术家，长的稍微漂亮一点的就可以炒作炒作，导致了全民的认知低下。我想，如果要治罪，我们伟大的媒体，伟大的教育界，应该算是最大的罪魁祸首了 oil painting ，wholesale oil painting , portrait oil painting。

其实就像周慧敏这样的人也一样，她的歌声以及美貌可以在媒体的大势宣扬下众所周知，而她的绘画才艺以及写作功底就离开了媒体的关注，也就失去了大众的认识。我想艺术本就是一个心里作为，我想艺术本就是一个精神层面的东西，既然媒体宣扬，既然打着提高全民修养的口号，媒体就应该对艺术负责，对全民负责。别仅仅因为几个商业价值，就让更多的艺术工作者，更多的艺术科目默默消失。

婚纱，肖像油画日渐受到人们的钟爱。虽然影像取之照片，但油画的色彩、光影、笔触、质感，加上精美的画框，它所营造出的艺术魅力远胜于照片。它不仅是简单的影像再现，更是您情感的独特表达。一幅由专业肖像画师完成、精工细作的油画，将淋漓尽致地展现您的艺术影像，而且不必拘泥形式，绝对物超所值。若细加分析油画与婚纱摄影的区别，其实可以得出许多胜过后者的优点。如油画更易保存，不会褪色发黄；具有收藏价值，我公司以高校和知名画家为强大依托,目前作画的画师一般都是美术学院的优秀教师和学生，一旦日后画师出了名，那么婚纱油画不仅是夫妻爱情的见证，更有日久生“钱”的潜力。oil painting ，oil painting ，同时，给您的亲朋、小宝贝、爱犬、爱车、古董、花园等，只要是您喜爱的影像，我们都可以为您制作一幅精美的油画，也可作为与众不同的礼物送给你的至爱亲朋。
　　婚纱油画,又名油画婚纱照,京沪等地新人为追求个性疯狂追捧婚纱油画，迅速在全国流行，认为它代替婚纱摄影是大势所趋。所谓婚纱油画是对以结婚留念为目的的婚纱摄影图象,以油画等表达方式进行艺术绘画创作,而让普通的婚纱照升级为具有艺术收藏和升值价值并且具有长久保存能力的艺术品。

昨日，黄桷坪涂鸦街，工作人员正给客人讲解油画 记者 张路桥摄 　　昨天下午，黄桷坪涂鸦街画廊内，马姓画家挥笔，为一对新人画婚纱油画。涂鸦街画廊张姓负责人介绍，节日里有9对新人登门，请画家画婚纱油画。 　　昨天下午，涂鸦街画廊内，马姓画家连连挥动刀笔，为新人闻芳画婚纱油画。闻芳说，前不久，她和丈夫拿了结婚证，定在下月举行婚礼，并打算花万余元拍婚纱照。 　　闻芳说，九月底，她听说涂鸦街画廊为新人画婚纱油画，便慕名前来咨询。在得知画一幅油画只要3000元左右后，闻芳和丈夫改变主意：不拍婚纱照，将这笔钱用来画几幅婚纱油画。 　　马姓画家说，完成一幅婚纱油画，一般需要两个星期时间。国庆节的几天里，已有9对新人登门，请画家画油画。 　　因此，画廊除了他参与画婚纱油画外，还请来多名美院的学生作画。一名参与作画的闻姓学生说，他曾参与在黄桷坪的大街涂鸦。几天前，画廊联系上他，请他为新人画婚纱油画。画一幅画，他可以赚学费。 　　昨天下午，一名叫李莉的准新娘说，她和未婚夫决定画油画，是觉得油画比照片更有文化品位，更时尚。从价格上来说，画油画的花费和拍婚纱照的花费相差不远。 　　而涂鸦街画廊张姓负责人说，为新人们画油画的，是一批有潜力的青年画家，或是美院的优秀学生。另两名新人则表示，他们的婚纱油画有一天可能会增值：如果给他们作画的画家一旦成为著名的画家，他们的婚纱油画将更有意义。

目前国际油画市场背景：冷清：

    十天卖不出一幅画寒冬：广交会“颗粒未收”

    十天卖不出一幅画

    被称为世界第三大油画出口基地的大芬油画村，最近生意淡得让人心里“发慌”。在大芬村黄江油画广场，稀稀疏疏的顾客让店员们闲得直打瞌睡，他们唯一可以做的就是整理油画的摆放、清理油画上的灰尘。

    一位年轻的女店员告诉记者，今年的情况真是大不一样。“以前每天平均都可以卖出三到四幅画，现在一天能卖一幅画就不错了，不过现在即使十天卖不出一幅画也觉得习以为常了。”

    在长青书苑的老板宿志刚的记忆里，还从未遭遇过这样的境地。“今年4月19日，台风‘浣熊’带来的雨水将黄江油画广场淹得很严重，所有的店铺无一幸免，整个经济损失达到1000多万元。”宿志刚说，“但是，相比较金融海啸带来的影响，暴雨这样的天灾已经微乎其微了，我们有一种长久过冬的感觉。”

    下半年，宿志刚所收到订单比原来减少了70%，只有一些国外老客户还在和他合作。面对萧条行情，宿志刚再也不敢扩大生意规模，进货也更加慎重。

    “没有订单的话，我是不敢进货的，如今只做一些样品。现在主要考虑努力开拓国内市场。不过开拓国内市场也很有难度，毕竟房子现在都卖不出去，也影响了油画产业。”

    寒冬：

    广交会“颗粒未收”

    大芬油画村属于外向型经济模式，80%的收益靠海外的订单，只有20%靠国内销售。金融海啸对大芬油画村的冲击尤其剧烈，今年下半年广交会上的“境遇”更是让人揪心。

    大芬村有十几家企业参加了今年的秋季广交会。作为此次大芬村参展团队的领队，大芬美术产业协会会长吴瑞球自1998年起已参加了20届广交会，此次大芬村在广交会上的“结果”让他非常难忘：“今年一个订单都没有，颗粒未收，这是大芬村从来没有遇到的情况。以前大芬村在广交会上最好的时候能签到四千万到五千万元的大单，少的时候也有二千万到三千万元。”

    今年秋季的广交会着实让吴瑞球感到了经济的“严冬”：虽然有一两个采购商有采购意向，但最终成交的订单一个都没有！

    “广交会上，wholesale oil painting，oil painting采购商们只是看看我们的材料，然后听我们介绍产品，他们都是带着观望的态度，对于是否采购，都没有拿定主意。”

    在采购商口中，吴瑞球了解到，顾客对油画这种奢侈品已经没有了采购的信心。有的采购商则向他表示，他们还有一些存货难以处理，买进新货则担心卖不出去。

　　无奈：

    油画贱卖只收成本价

    今年以来的三个变化让大芬村的画师小贵措手不及：铺租猛涨、外单锐减以及油画价格下跌。

    “生活压力的增大让大芬村的各画家、画廊进入了恶性竞争，画卖不出去不说，纸张、颜料价格还直往上飙，最压得大伙透不过起来的是每天见涨的房租，oil painting为了填饱肚子，大部分画家都不得不贱卖自己的作品。”“现在的油画能收回成本价就不错了。”小贵给记者举了一个很有意思的例子，一幅1m×1m的油画从前最少得值200元，而现在40元的价格就比较普遍，画师们把手头的作品交给顾客的价格，不是油画价值本身，而是材料等成本费。

    “最近一段时间，画家们叫卖作品时，首先得看看油画的厚薄，因为这关系到成本，也决定了这幅画的最终价格。”

    不过，让小贵看到希望的一点是，出色的作品的“身价”还没有如此“滑竿”，仍然坚挺，因为它们的销路广得多。所以，小贵下一步的努力方向是，改变创作模式，多出精品。

    “低档次油画的作品出来就会被淘汰，尤其在眼前这个时期，采购商在销路不好的情况下只会采购经典的作品。”小贵说。

世界最小的油画【蒙娜丽莎】微缩版复制品来自英国画家Andrew Nicholls 。

英国艺术家Andrew Nicholls 近日制作了一副微缩(Not猥琐)版本的《蒙娜丽莎的微笑》，它长11毫米、宽7毫米，只有普通邮票的四分之一大小。

Andrew 的这一杰作已经成功打破了，由法国艺术家Yves Gerard 保持的纪录(长13mm宽9mm)。更令人叫绝是Andrew 仅用了1小时便把这幅微缩版《蒙娜丽莎的微笑》给画成。

# 该事情发生在英国Hampshire 郡，44岁的Andrew 说‘自己还没有看过真正原本《蒙娜丽莎的微笑》很希望哪天去法国卢浮宫瞧瞧。更希望自己的微缩版能够挂在原作旁边，供人们观看。使人们可以得到一些有趣的想法。’

# 百科：《蒙娜丽莎》是意大利文艺复兴时代著名画家达·芬奇的肖像画作品。画中的主人公是当时的新贵乔孔多的年轻的妻子蒙娜·丽莎，这幅画画了4年(画于1504年左右)。

一家Hampshire艺术家描绘了世界上最小的蒙娜丽莎-它的不到四分之一大小的邮票。

 

世界上最小的蒙娜丽莎
这种微小的复制品达芬奇最著名的画是11毫米高， 7毫米宽。

安德鲁尼科尔斯， 44岁，由Farnboroughwholesale oil painting，oil painting ，煞费苦心地再现蒙娜丽莎以创纪录的70:1规模后，阅读以前的持有人对一种爱好工艺的网站。

为了打破纪录oil painting
，他画他的整个对等的杰作，而通过一个放大镜。

Andrew Nicholls先生用毛笔0000指数组成的短短链锥形罚款点，以层丙烯酸涂料他在一张卡。

他说： “我一直在画的小娃娃的照片房屋五年现在可以生产其中一人在大约一个小时。

“但详细的蒙娜丽莎是困难得多，我想是正确的。

“我用一个小计0000画笔和不认为这有可能使画任何不损害较小的细节或使用放大镜看到完成项目。 ”

此前的纪录是9 × 13毫米，是由来自卢森堡的伊夫杰拉德画的，他们的工作是住在博物馆德拉鲁阿在微型综合征，法国。

导读：作为全球最大的商品油画生产地的厦门，在今年的世界金融风暴中难逃厄运，以往油墨飘香的乌石浦油画村，今年显得格外冷清，再也难以见到画师扛画，拎画的场面，目前有将近一半的画师或改行，或提前回家过年，其状令人难以想象。

 　作为世界最大的油画生产基地之一，产值超过10亿、占全球需求量30％以上的厦门油画业，由于一直过分倚重美国订单，正面临出口订单骤减的考验。

　　在中小画商普遍喊“受伤”的背景下，这对于长期处在产业链底端的厦门油画业，升级的“迫切”和“契机”同样显现。

美国来的订单骤减 中小画商很“受伤”

　　有着高级画师兼画商身份的张志良，最近突然暂停了自己的油画业扩张。

　　“不瞒你说，我的展览厅今年以来才接待了一个美国客户。”在圆山北里一上千平方米的展览室外，张志良道出了自己的一个无奈决定：上个月，在订单量仍无回暖的情势下，他决意将该展览室转让出去。这可以让他一年节省20万的开支。

　　而在今年年初，张志良还想着扩张，将周边的一个近2000平方米的仓库也租下来。

　　张志良告诉记者，他的一个合作多年的美国客商，去年就向他下了5万张油画订单，可今年到现在才订购两百多张。按照张志良的理解，油画与房地产市场联系紧密，“次贷危机”下的美国房市冲击最大，油画需求量减少也在情理之中，“客商下订单时没那么豪气了，也开始担心产品被积压”。

　　而在乌石浦油画村、海沧油画村等厦门最主要的油画生产聚集地，记者了解到，像张志良这样感觉到订单压力的中小画商，并不在少数。

　　“我今年的订单相比去年少了三成多，有的同行减少了近50％。”海沧油画村的女画商林女士同样遭遇订单骤减的困惑，“而受画布、原料等成本上涨影响，油画成本上涨超过10％，因担心失去客商，还不敢轻易提价”。

　　尽管不像画商那样和美国客商直接“交易”，但在乌石浦聚集的数千名画师，同样体会到了订单压力。来自江西的画师王景明，已经从业十余年，去年曾长期日夜加班地赶订单，但最近由于订单减少，笑言终于可以松一口气。

　　据了解，oil painting,oil painting一些刚入行的画师，甚至面临生计问题，重新择业或从岛内搬到海沧等生活成本较低的油画基地。业者直言，厦门的油画业恐难实现从2004年2亿左右市场规模到去年近10亿产值的快速增长态势。

发现市场新“亮点” “大佬”乘机扩地盘

　　相比于上述中小画商的悲观，一些厦门油画界的“大佬”级画商要乐观许多，并在紧锣密鼓地扩大新地盘。

　　“我的订单反而有点上升，只是没有意料中增长的那么多。”作为厦门油画界的最知名画商之一，身兼乌石浦油画产业协会会长的厦门艺友工贸有限公司董事长庄德义刚参加完“广交会”。他向记者透露一个细节，今年前来“广交会”采购油画的客商确实比往年同期减少，但市场上却出现了新的 “亮点”，“来的客商，对那些以临摹为主传统的油画不再那么感兴趣了，但抽象画、进行创意深加工的油画，反而很受青睐”。

　　这样的说法得到了另一位不愿具名的郑姓 “大佬”级业者的证实。他同样向记者表示，由于公司已将油画产品往中高端方向发展，订单量几乎不受影响，“毫不夸张地说，油画已经过了简单复制的阶段，开始讲究创意了”。

　　除了调整产品研发方向，记者还注意到，在欧美等市场受影响的困境下，这些大画商已纷纷将目光瞄准了国内市场。

　　“其实国内市场同样是块必争之地”，庄德义向记者举例，一个青岛的酒店经营者，不久前就一口气向他下了2000张的油画订单，“这就相当于一个美国中等客商的需求，但要知道，国内的这个买家，只是一个经营规模不大的消费者而已”。

　　庄向记者透露，公司拟在原先只设外贸业务的背景下，成立一个国内市场部，专门负责开拓国内市场。

　　这样的策略同样得到了上述郑先生的认同，他还将公司的未来战略设置为“两条腿走路”，“我们已经调研过，普通的家居油画装饰品、高端的油画收藏品，在国内有非常广阔的市场需求”。

　　据记者了解，像艺友工贸这样的 “大佬”级业者，在厦门就有20多家，其早已占据厦门油画一半以上的市场份额；而在出口订单出现一定萎缩的背景下，这些“大佬”级业者显然正通过调整策略直指更多市场份额。

原创越来越“受宠”成产业升级新契机

　　大小画商悲喜两重天。这在“领军人”庄德义看来，恰是厦门油画业整体最佳的调整期，“一些有实力的画师是时候进行升级了”。

　　以占了8成左右厦门油画交易的乌石浦油画村为例，据介绍，上世纪90年代初开始聚集在乌石浦的画师，目前规模已超过5000人（目前厦门有油画师1万多名），但大量画商仍处在传统油画的简单临摹阶段。

　　“一开始，外国商人来采购时，常以一个门槛来采购油画，比如说低于某种标准油画就不要。”老画师林先生向记者回忆，这就使得画师必须十分注重油画质量，“而之后油画需求猛增，大量的从业人员加盟，油画作品参差不齐，后来发展到了再差的作品都有人低价购买”。

　　林先生认为，这某种程度上，使得厦门的整体油画产业也陷入了一种恶性循环，长期处于产业链的最底端，而大量的画师充当了画工的角色，更少见精品，“虽然乌石浦的油画质量的确比较高、水平上乘，的确是业界公认的，深圳大芬的不少画商也从厦门收购油画，但已经长时间处于原地踏步阶段了”。

　　对此，wholesale oil painting，oil painting德伟记艺术有限公司的老总刘德芳深有同感。这位常在厦门收集好的油画作品的画商告诉记者，有不少北京、上海的画廊老板就找他收集好作品，“但老实说，由于原创作品很少，真的很难找到好作品”。

　　“那些有订单压力的画师，是时候考虑沉下心来创作好作品了”，刘德芳向记者透露，自己就认识一同行，潜心创作的油画不久前以数万元价格成交。

　　值得注意的是，市场迹象显示，一些不疲于“订单”压力、有一定功底的画师，已经渐渐地投入原创油画的创作。据不完全统计，这样的画师已接近整个画师队伍的5％。

　　“油画是一个门槛比较低的产业，厦门虽然是最大的生产基地，但目前全国各地都已经注意到了文化产业的商机，都在大力抢占这一蛋糕”，庄德义认为，已经有长期积淀的厦门油画业，需要首先站出来通过油画质量的升级，来巩固市场地位，“底端的我们照样坚持去做，那些有一定实力的要尽快分流出来，往投资收藏品方向创作，去适应新的市场需求”。

　　据介绍，福建省有关部门，今年将在厦门首次举办大型的原创油画展，力图让更多原创作品脱颖而出，从而带动厦门油画的产业升级；此外，一个集展示、拍卖、交易于一体的文化生态产业区的构想也正在探讨中。

一、中国油画市场发展历程回顾

1、油画市场的开端

　　中国油画市场最早可追溯到二十世纪八十年代初期。随着中国的改革开放，国内与海外的经济文化交流日渐频繁，一些常驻中国的外交家、外企工作人员，还有部分游客开始零星的购买中国艺术家的油画作品。所以，早期的交易行为经常发生于外企、外交人员的家里或领事馆举办的聚会或小展览中。当然，也有部分作品挂在酒店中同工艺品、旅游纪念品一起销售。那时的画价非常低，除了当时市场经济并不十分发达、生活消费水平较低以外，在很多人心目中甚至是艺术家本人也从没有想过作品是可以自由买卖的。在传统理念中艺术与商业毫无瓜葛，艺术是纯粹而高尚的。

2、写实古典风的流行

　　油画艺术作品是有价的。油画作品开始频繁交易大约始于八十年代中后期至九十年代初期。其主要原因是港、台及东南亚地区经济历经七、八十年代的迅猛发展，社会积累了一定量的财富，并且中国大陆的艺术品价位较之本地区的价位要低廉得多，品质与功力又相当不错，所以一些经纪人、画廊与藏家纷纷将目光投到大陆艺术家身上。中国油画作品的输出，很快成为东南亚市场中的重心，并且对本地艺术家作品产生了一定的冲击。由于地区差价的存在，早期投资中国油画艺术的人们获得了相当可观的利润。中国早期画商或经营商就是在这种背景中涌现出来的，他们大多以个体户、跑单帮的形式奔波于海内外，与海外画商们共同输出了大量的中国当代油画艺术作品。目前，他们中的绝大多数早已改弦更张，只有极少数人还在坚持。当时油画作品的走向主要是两路：一路集中于港、台、新加坡、马来西亚等地，另一路是美国。就是从那时起，海外艺术市场的趣味开始或多或少地影响着中国艺术家的创作。主要流行风格为写实的古典主义风格，情调是东方的、怀旧的、乡土的。中国油画艺术品或者说中国当代艺术品正式进入海外艺术市场的标志性事件是1994年、1995年香港苏富比拍卖公司推出的中国油画拍卖和1992年香港佳士得拍卖公司推出的中国当代艺术专场拍卖。正是世界顶尖拍卖行的专场拍卖为中国油画艺术品的市场发展起到了推波助澜的作用。这里需要提及两个人，是他们的努力促成了这两家拍卖行的中国当代艺术品拍卖。他们是生活工作于美国纽约的龚继遂和吴尔鹿先生。他们二人一直从事于中国古代艺术品与现代艺术品的经营工作，其中龚先生曾任纽约苏富比的拍卖顾问，直接促成了苏富比对中国当代艺术品的拍卖。吴先生是最早将中国油画艺术品推向美国市场的代表人物，1992年他向香港佳士得拍卖行建议推出中国当代艺术品专场拍卖。从此开始，商业因素作为一个重要环节开始渗入中国当代艺术的发展历程，艺术与商业再也难以分离。

3、前卫风闯入国际艺坛

　　在九十年代的初中期，港、台、东南亚油画艺术市场逐渐由盛转衰，来自于祖国大陆的油画作品也渐趋饱和，质量更是良莠不齐。正是此时，欧美市场趣味开始取代东南亚市场，以“政治波普”为代表的前卫画风开始抢滩欧美艺术市场，价格更是迅速飚升。很多前卫画家虽然身居国内，但与海外画廊有着千丝万缕的联系。也正是借助海外画廊的运作体系，他们才得到了长足的发展。在这一波行情中，我们要提及“政治波普”风的始作俑者——中国香港翰雅轩，正是其主人张颂仁与国内艺评家栗宪庭的通力合作，策划推出了一系列中国当代艺术展，如“后八九巡回展”等。随后，参加“后八九巡回展”的代表画家又陆续参加了“威尼斯双年展”等国际重大展览。从此中国艺术家的身影开始闪现于欧美国际艺术舞台，引起了欧美市场的关注与反应。这一进程的背景是随着改革开放的不断深入，无论从政治上、经济上，中国都取得了巨大的进步，世界越来越关注中国，希望参与中国的发展

４、早期油画的飚升

　　与此同时，中国台湾省画廊以其敏锐的商业嗅觉开始缔造另一波迅猛的油画市场行情，这就是华人前辈油画家的作品。在大陆尚未意识到早期油画的历史价值与商业价值时候，精明的中国台湾省画商以其财力与经验在祖国大陆悄悄吃进，使本来就幸存不多的老画家们的作品尽量掌控于手中，经过梳理与包装之后，以高于进价十倍或数十倍的价格售给中国台湾省本土藏家，获取了极其可观的利润。中国台湾省的很多画廊藉此完成了从经营本土画家向主营中国大陆艺术家的转变，于此同时，从客观上也发掘、梳理了中国近现代美术史，以商业的手段使部分宝贵的文化资产得以保留。中国台湾省的画廊经营也步入了一个新的时代

５、拍卖行的繁荣

　　在整个80年代至90年代初期，中国油画市场是完全面向海外市场的。国内的购买力微乎其微。唯一的规模较大的例子就是民营的长城艺术博物馆对部分中国当代艺术作品的收藏，其主人宋伟是中国最早购买当代艺术作品的民营企业家，由于个人的身体原因，他的抱负与理想未能完成。但当我们回顾当代艺术市场时，他仍然是一个不可回避的人物。中国大陆艺术市场的真正启动，是以1993年中国嘉德国际拍卖公司的成立为标志的

　　它率先推出的中国油画雕塑专场拍卖第一次全面地将油画呈现在世人面前，置身于中国艺术市场中，也正是专拍的不断努力，迅速地扩大了油画的知名度，促进了中国藏家与投资人对油画或当代艺术的了解，嘉德拍卖公司亦成为中国油画拍卖市场中的领头羊，成为中国油画艺术市场的重要风向标。后来的很多拍卖公司都曾推出过油画的专拍，但大多数拍卖行都没有坚持下去，唯有嘉德拍卖行始终如一的在坚持。

　　拍卖是中国艺术市场中的一件大事，它以其集中的、大规模的、完全市场化的运作机制以及强有力的宣传，对社会产生了广泛的影响，加速度地促进了大陆艺术市场的发展。

６、画廊业的兴起

　　90年代中后期，中国画廊业的兴起进一步坚实了油画艺术市场的基础，开始引导艺术市场向规范化、制度化方向迈进，并与拍卖业形成了互补的局面。而先有拍卖行，后有画廊这一有趣的现象，在世界范围内，唯独中国如此。当然，这与我们市场发展的程度与国情相符合。因为久经封闭之后，突然面对市场，我们面临的是西方经济发展一、二百年的结果，将其最快速、最有效的形式拿来直接使用也不为过，但其中的市场基础是不健全的。但为了速度就只好在发展中去调整。画廊是一级市场，拍卖行是二级市场，只有一级市场的真正繁荣，二级市场才能更加兴盛。画廊是整个艺术市场体系中最为重要的基石，在艺术家与收藏家，个体与社会间起着桥梁的作用，而是否采取较为规范的艺术家代理制度，是区别专业与非专业画廊的显著特征。专业画廊所代表的规范化机制正是艺术市场真正得以确立的保障。当然，这并不是一蹴而就的，需要艺术家、经纪人、画廊、收藏家、投资者，以及政府管理部门共同的努力。我们的油画艺术市场，当代艺术品市场正处于迈向成熟的这一历史进程中。在这里，我们有必要对中国画廊的历史予以回顾。中国的画廊主要集中于北京、上海等大城市，这与经济发展速度密切相关。早期的代表画廊有北京音乐厅画廊、东方油画艺术厅、大陆艺术家画廊、红门画廊、东海堂等。这些画廊都是市场初期与海外交易过程中形成的。由于种种原因，当时的很多画廊到现在都不存在了，只有两三家在坚持。到90年代中期，一些更具有主动性与多样性的画廊涌现出来。代表者有北京的翰墨画廊、四和苑画廊，上海的香格纳画廊；这期间有相当部分的画廊是由外国人开办的，而北京翰墨画廊是国内再造的尝试按国际惯例推行签约代理机制的画廊。90年代后期，由于上海经济迅速发展，向国际化大都市迈进，上海出现了很多私人画廊，绝大多数都是中国人自己开办的。其中的代表者有艺博画廊、华氏画廊、亦安画廊等。画廊从数量上超过了先行地北京。进入21世纪，一些海外画廊看好中国大陆经济发展态势，开始纷纷涉足国内，有欧美的、日本的，还有中国台湾省的。相信在不久的将来，画廊的繁荣局面就会到来。无论是本土的，还是海外的，在全球经济一体化的背景下，相互竞争，相互融合，在这一进程中逐步形成各自的经营风格与理念，中国油画市场、当代艺术市场的繁荣将指日可待。

　　通过以上的简要回顾，我们可以看到：中国油画艺术市场在经历了短短20多年的发展，从无到有，逐步向着规范化、制度化迈进，一个新兴的市场正在崛起。在潮起潮落之间，蕴含着无限商机。无论从经济利益角度而言，还是历史价值与责任的角度而言，中国正在经历着一个伟大的历史进程，我们没有理由去忽视这一历史性的契机。

通过以上的简要回顾，我们可以看到：中国油画艺术市场在经历了短短20多年的发展，从无到有，逐步向着规范化、制度化迈进，oil painting,oil painting一个新兴的市场正在崛起。在潮起潮落之间，蕴含着无限商机。无论从经济利益角度而言，还是历史价值与责任的角度而言，中国正在经历着一个伟大的历史进程，我们没有理由去忽视这一历史性的契机。

二、油画市场兴起的原因

　　油画市场兴起的大前提是中国经济的持续发展，人民收入的不断增加，文化生活与精神需求的不断提升，促使对于艺术品的收藏与投资日趋升温。而直接促成油画艺术市场的因素有以下几个：

１、中国艺术市场在经历20世纪90年代狂飙突进式的发展，目前进入一个相对平静的整合期，一些积累的问题也就凸现出来。比如作品的真伪、价格的炒作等等，尤其集中于近现代书画名家作品上，使艺术市场的风险性增大，也使进入书画领域的收藏与投资的资金需求量越来越大。这里除了有市场初期不可避免的机制不健全、投机分子作祟、中介机构的不规范操作之外，也与收藏者、投资者的急功近利、盲目投资有关。正是在此背景下，油画开始兴起。油画作为一个新兴领域，资金的需求量与书画市场相比较少，书画市场所面临的种种问题与尴尬在油画领域内几乎还没有到来，易于进入。因此，部分投资从书画市场投向油画市场，这是油画市场兴起的这主要原因。

２、第二个重要因素是随着中国经济的不断发展，新兴的产业阶层与白领阶层日益崛起，社会审美风尚的改换。由于这个阶层日益发展成为社会的中坚力量，他们无论在资金能力、文化水准、审美趣味上，都乐于接受充满新意、具有挑战性的当代艺术，他们的年龄与知识背景决定着他们与中国当代艺术的亲和力。所以体现时代气息、色彩丰富、充满节奏感的油画逐渐成为这一阶层的需求对象。由于目前视觉环境、视觉符号无论是立体的还是平面的，都在向着现代的、时尚的、国际化的方向快速发展，人们的审美口味已经发生了潜移默化的转变。这也促使中国人对油画、雕塑原本来源于西方艺术体系的艺术品，从视觉上并不觉得陌生，从简单了解发展到欣赏的层面。

３、第三个因素是中国油画艺术体系的自身发展。油画从海外传入到今天也只有短短的一百多年的历史，但却在中国生根开花，产生了象林风眠、赵无极、吴冠中等中国油画大家，尤其是改革开放以来，中国油画艺术空前发展，形成多元化的局面。经过数代人的努力，积累了丰厚的艺术资源，为我们进行收藏与投资提供了广阔的空间。从创作的活力、风格的多样化以及当代性上，油画的品质当之无愧成为这个时代的代表。

４、第四个因素是近年来拍卖业、画廊业等中介机构逐步走向规范化，大力推陈出新，培育了新兴市场。虽然从市场份额上与传统书画市场相比还相差不少，但其发展潜力决不可小觑。这可以从嘉德油画专拍的历年成交额与成交记录中窥见一斑。

如：1994年全年成交总额为805.9万元。从1995年至2002年成交额平均为1200万元左右。其中1997年与2002年成交额最多，分别为1983.8万元和1482.4万元。这些数字表明油画市场发展态势稳定，没有随着周边国家与地区的金融危机而大起大落，反而稳中有升。

三、油画市场的现状及未来走势

　　有关中国油画市场的现状，在前面回顾油画市场历程时已略有提及。不论是哪种画风此消彼涨，都在市场中占有一席之地。只是所占比例及价格随着时间的推移而有所变化。了解油画市场现状的最直接方式就是观看专场拍卖或翻阅专场拍卖图录，还有一定要去代表性的画廊观察它们的经营方向，就可以对行情及走势有个大致的了解。我们仍以嘉德的油画专场拍卖图录为例来加以简单分析，我们可以看到市场是由以下几大板块构成的：1.早期油画作品，大致占整场比例的　15％；2.东方格调的华人经典画风，比例约占6％；3.古典倾向的学院派画风，比例约占40％；4.青年油画家的多元化风格，包括部分前卫艺术作品，比例约占39％。

１、早期油画作品是指20世纪初期留学海外的前辈画家作品。他们是中国油画艺术的奠基者，在中国现代美术史中拥有崇高地位。他们的作品历经战乱、文革，存世不多，具有很高的艺术价值与文物价值。其中的代表性人物有徐悲鸿、林风眠、刘海粟、关良、庞薰琴、丘堤、吴大羽、卫天霖、潘玉良、吴作人等。其中徐悲鸿、林风眠的价值最高。徐悲鸿的作品《风尘三侠》在2001年中国香港佳士德秋季拍卖中以704.37万元港币成交；林风眠的《丰收图》在2002年香港佳士德秋季拍卖中以556.50万港币拍出。其它知名画家的作品价值亦在20-50多万不等。这批前辈艺术家的市场在以中国台湾省为主的海外华人市场中已经成熟，中国台湾省的收藏家以早期油画作品的主要收藏对象，中国台湾省画廊业从80年代后期就为此进行了大量的发掘、梳理工作，同时也获得了相当丰厚的回报。随着中国国力的增强，文化自信心的增强，早期油画中的经典作品还会再创新高，但第二代、第三代普通作品升值空间不大。

２、东方格调的华人经典画风的代表者就是赵无极、朱德群、吴冠中等，他们于20世纪40、50年代留学海外，在前辈画家的基础上融合东西方文化精髓，以独到的艺术表达方式开创出充满东方精神的现代艺术视觉空间。他们的作品得到海内外华人收藏家的广泛而有力的支持，是目前市场上最炙手可热的艺术家，价位基本上在几十万至上百万之间。赵无极作品《1.4.66》在2002年香港佳士德秋季拍卖中以755.41万港币，创下中国油画最高成交记录。中国油画的百年史，实际上是一个不懈地探索与缔造新文化、新艺术体系的历史。这是在中国传统文化与现代西方文化的冲突与融合中进行的。林风眠、常玉等前辈大师打开了这扇大门，赵无极、吴冠中等又继续在这条道路上不断地探索与创新。这是中国新艺术发展的主脉。后继者以他们为榜样，努力开创具有中国气派而又有当代精神的艺术风格，有很多中青年艺术家正在为之奋斗着。这是最具有艺术价值与投资价值的绘画风格。前辈画家作品价值的不断走高恰恰证明了这一点。

３、古典主义倾向的学院派画风是国内最早，也是最容易为市场所接受的绘画风格。这批艺术家成长于80年代。他们受到良好的学院派训练，从崭露头角的那天起，就开始面对市场。其中的代表者有陈逸飞、陈丹青、王沂东、艾轩、杨飞云等。他们得到东南亚、港台及欧美市场的认可，价值多在10-30万元之间，其中的佼佼者当属陈逸飞，最高价曾达到300多万元。写实画风的作品目前虽不在潮流浪尖上，却因其拥有广泛而稳定的市场基础，所以其市场较为稳定，但大幅度的增值空间也不会存在，因为历经多年市场的检验，其价值已近顶点。

４、青年油画家是目前中国艺坛最具创作活力的一群。他们成长于90年代，技术扎实，思维活跃，注重个性风格，形成多元化的创作格局。无论是“新生代”，“政治波普”，还是“后新生代”，在短短几年时间里创造出了作品价格飙升数倍，乃至几十倍的市场奇迹。从最初几千、几万乃至十几万、数十万，其中的代表性画家

有方力钧、张晓刚、刘晓东等。这里尤以“政治波普”最为热闹，是在海外画廊，经济人以及欧美资金的直接操作下，将其推入西方艺术市场体系，获得商业成功的典型案例。但这类风头正健的“前卫风格”更多的是依靠了政治社会背景的支撑，是现实主义传统的另一种表达形式或延续。在一定的历史条件下起到了其相应的社会作用与艺术职能，但在大量的符号化与复制的情况下，内容与精神趋向空洞画与矫揉造作，所以其市场在表面形势大好下，隐含着一定的风险。但无论怎样，青年艺术家的发展潜力是毋庸置疑的。其巨大的市场机遇乃至升值空间都是绝对大有可为的。只是如何更准确、更科学、更为理性地去选择、去投资、去收藏。

四、中国油画艺术市场面临的问题

　　中国油画市场作为一个新兴的艺术市场，越来越引起世人的关注。它所蕴含的巨大的商机是显而易见的。在世界范围内，艺术品投资回报率最高的就是当代艺术品。目前中国油画艺术品市场份额在整个艺术市场中所占的比例还是非常小的，与书画、古董等传统艺术品市场相比差距巨大。除了油画艺术市场启动的较晚，历史较短以外，市场尚未得到充分发展的众多因素中，有以下几个问题值得研讨：

１、民众对油画、oil painting,oil painting雕塑等现当代艺术还是缺乏相当的了解，这实际上是艺术普及教育与市场推广的问题。只有在充分了解与懂得欣赏的前提下，人们才会去参与、去收藏、去投资。中国是一个具有收藏传统的国家，古董、书画等传统艺术品，无论从知识背景、视觉经验、还是鉴定收藏中介等商业体系上都有深厚的基础，并且在群众的参与性上也非常广泛。而对一百年来的油画、雕塑等现当代艺术史的研究与梳理工作还不是十分充分，将这一百年数代艺术家探索与创造的视觉成果以及丰富的宝贵的文化资产如何呈现在世人面前，这需要艺术史研究者、艺评家、美术馆、博物馆等公共艺术机构，画廊、拍卖行等商业中介机构以及媒体、政府部门等方面的通力合作，加大力度进行推广与宣传，并且要更为积极、更为主动地参与社会的文化生活。市场的发展促使我们更加认真地总结近现代中国绘画艺术的发展历程，关注当代文化建设，进而能够为市场发展提供明晰的参考体系以及建立博物馆等公共收藏体制。这是艺术市场得以充分发展的前提。

２、画廊、拍卖行等中介机构的规范化操作。伪作泛滥、赝品成灾、盲目炒作、哄抬物价等现象在书画、古董传统艺术品市场中比比皆是，这严重损害了市场的健康发展，增大了风险性。其恶果早晚会爆发出来。2001年，纽约佳士得、苏富比宣布停止中国近现代书画的拍卖，为中国书画市场敲起了警钟。所幸的是在中国油画市场这些现象较少，只是在前辈油画家作品中存在部分赝品问题。我们在拍卖会、画廊中也曾见到一些伪作，所以要求画廊、拍卖行一定要引以为戒、严格把关，不要为了自己的一点点私利而对刚刚兴起的油画市场产生危害。台湾画廊业在赝品与盲目炒作方面已领略到教训；最近的市场低迷，除了经济不景气的原因外，不规范的炒作必将导致市场的惩罚与报复。画廊、拍卖行是艺术家与收藏者之间的桥梁，是油画市场的代言人，应从大局出发，从长远利益出发，以讲究商业信誉与服务为至上原则，以规范化、专业化的运作机制来赢得市场。

3、鼓励与扶持艺术市场发展的相关政策，对艺术市场的发展起着巨大的推进作用。

　　政府管理部门作为市场的管理与协调者，应密切注意市场动向，顺应市场的发展，因势利导，制定相应的政策法规，为市场的充分发展提供保障。目前最为突出的就是税收制度，即有关购买与捐赠艺术品的减免税收制度，还有大型公建设施中有关艺术品购藏与投资额的法定比例等。有减免税收制的保驾护航，就能促使大企业、财团去涉足艺术品市场，去投资、去收藏、更多地参与公益设施的建设，比如兴建企业所属的收藏单位——美术馆或博物馆，或者是捐赠作品给现有的美术馆、博物馆。企业既投资、保值，又赢得一定的社会声誉，何乐而不为呢！只有吸引了大规

　　模资金进入新兴市场，才能使艺术市场得以迅速发展，并提携其他相关产业的兴起，如：画框制造业、材料业、出版业、印刷业等，相关产业的税收以及艺术家个人所得税、中介商业机构所得税等诸多方面的总和远大于所减免的那一部分税收。西方艺术品市场历经200多年的发展与积累，拥有一整套的相关法规、制度，他们保障了大企业、大财团，既把艺术品作为投资理财的金融工具之一，又大大促进了文化艺术产业的发展，进而也就有了文化艺术产业的输出，从而形成了艺术产业的良性循环。我们完全可以借鉴与吸收，制定符合我们国情的一系列制度与监督机制，虽然这不是一蹴而就的，但市场的发展促使我们必须去应对，去研究，去尝试，尽快将有关政策、法规出台，以顺应市场经济的发展需求。唯有这样，中国的艺术市场才能真正的健康发展，走向成熟。

4、收藏者的不确定性。目前进行油画艺术品收藏的人越来越多，但与收藏传统艺术品的收藏者数量相比还相差甚远。他们绝对是现今社会中的精英分子，拥有一定的财富，有品位，受过良好的教育，并且有胆识，有魄力去参与油画这一新兴市场，无论是从投资、保值出发，或者是为了视觉上的装饰作用，还是真正意义的收藏，虽然目前称上专业的有体系的收藏家寥若晨星，但在目前条件下，以个人的方式，做到如此，实属难能可贵，十分值得尊敬。也正是由于他们的参与，油画市场才能蒸蒸日上，但也真是由于个人性较强，其中的变数也较大，会有突然间的进场，尔后又突然间地消失，经常被市场中某些炒作现象所迷惑。那么，如何把对于艺术的一腔热情以有限的资金进行合理地利用，如何能从琳琅满目、风格多样的众多艺术品种进行准确地选择，达到既欣赏艺术之美，又获得投资升值的成功，这就需要藏家在不断地学习、研究的同时，与专家、专业画廊、信誉好的拍卖行进行合作，避免走弯路。以平和的心态，少一些急功近利，减少盲目性与不确定性，必能走上成功的收藏之路。

　　意大利总理贝卢斯科尼今年4月重新登上总理宝座后，下令在基奇宫总理新闻发布室的墙壁上悬挂上了一幅意大利18世纪画家乔瓦尼·巴蒂斯特·泰波罗的名画《时间揭开真相》的复制品，然而，这幅画中有一个半裸女郎，当贝卢斯科尼在新闻发布室向媒体发表演讲时，画中裸体女郎的胸部正好就在贝卢斯科尼的脑袋旁。

　　由于担心这名裸女的胸部会让倾听总理演讲的人们“分神”，贝卢斯科尼的一名艺术助理最近奉命给这幅画进行了“加工”，用画笔给画中裸女添上了一些白色的胸纱和布料，遮住了她裸露的乳房和肚脐眼。

　　当新闻记者和摄影记者日前在总理新闻发布室中采访贝卢斯科尼时，他们震惊地发现了这幅画的“巨大变化”。画中裸女突然“穿上衣服”将所有新闻记者全都惊呆了。

　　然而贝卢斯科尼下令给意大利名画中的裸体女郎“穿”上衣服的行为，却在意大利引起了轩然大波。意大利前文化部长、著名艺术评论家威托里奥·斯加比对意大利《晚邮报》说：“他们都做了一些什么？这是一个愚蠢的行为，绝对的愚蠢，我想他们都疯了。那么他们准备怎么对待意大利全国数十个博物馆内所有裸体女人的雕像？我希望不管这一荒谬、疯狂、可怜、滑稽、没出息的主意是谁想出来的，最好总理本人对此毫不知情。也许他的助手们是为贝卢斯科尼着想，试图避免让意大利人将他的头像和一个乳房联系在一起，可不管如何，他们这样做反而起到了相反的效果。wholesale oil painting，oil painting”斯加比还愤怒地补充说：“没有人能够对泰波罗的画进行润色和加工！”

　　意大利威尼托区州长吉安卡罗·加兰对意大利总理办公室给艺术名画中的裸女“穿衣”的行为同样表示了谴责，他说：“这是一种冒犯泰波罗的行为，这个给画中裸女添加这些荒谬衣服的作者应该受到惩罚，因为他们冒犯了一个伟大的意大利艺术家。总理办公室已经侮辱了意大利最伟大的自由艺术家之一。”

油画是目前家居装饰画的主流，但在购买油画的过程中也不能大意。
　　目前市场上的油画从工艺上分为两种：电脑油画和绘制油画。旅日视觉艺术设计家、小川新居画廊艺术总监王小川先生说，电脑油画与绘制油画非常好分别，电脑油画用手摸上去无凹凸的油画颜料质感，更准确的说只是一种印刷品，只具备油画的“形”，不具备油画的“质”，这种画在很多装饰市场都能买到，但被艺术家认为缺乏艺术价值。而在“绘制油画”这一类中存在一种被俗称为“行画”的油画，此类油画大多工艺粗糙、色彩单调、手法简单。其绘制方法类似于手工作坊的做法，通常几十张到上百张一起完成，第一人画所有蓝色，如蓝天、大海等；第二人画所有绿色，如山、树、水等；第三人再画所有红色……依此类推。此类画作艺术价值也很低。

　　真正有艺术价值的绘制油画应该是由有艺术水准的画家亲自手绘独立完成的。
　　王小川认为，布置居室挂画，绝对不是随随便便买几幅画往墙上一挂那样简单。客厅、卧室、书房、餐厅、会议厅、办公室等不同场合，应该选配不同风格、色调的绘画作品。
　　他说，客厅内的绘画作品容易形成室内的视觉中心，是室内环境的重要组成部分。客厅的绘画作品能从整体上反映主人的审美倾向，是主人身份、地位与个性的反映。这里的绘画作品不需奢华，只要营造出一种安宁温馨的氛围和纯朴返真的情调，借以显示主人浓厚的人文追求就可以了。
　　而绿色和白色，经常成为餐厅的主色调，易造成清爽、新鲜、美观、令人心旷神怡的气氛。可选水果、绿色系自然风光图案的油画，wholesale oil painting，oil painting让人放松，使神经尽快地恢复愉快的状态，从而令人胃口大开。一外企驻沪首席代表家的餐厅为古褐色欧式餐桌，空间色调较沉闷，小川新居画廊向其推荐了由签约画家手绘临摹的印象派大师塞尚的油画静物，这幅以水果为主题的静物画色调偏暖，色彩对比强烈大胆，视觉效果明快，顿时，整个餐厅生机四溢。
　　书房内的绘画作品，是要表现主人的品德与个性，是为突出人而服务的。用一幅优美的绘画作品可使书房里的工作、阅读变得轻松愉快。M先生家的书房有厚实的书桌、整排的书柜，给人“硬气”的感觉。小川新居画廊建议选用由签约画家手绘临摹的油画光影大师莫奈的名作《睡莲》来装点空间。光影流动、变幻莫测的睡莲和水面，为书房平添了几分灵气和自然的恬静，M先生置身其中无论是处理公务还是片刻小憩都感觉比较松弛。
　　卧室里的绘画作品需要显现出舒畅、恬静、亲切的意境。王小川认为最好以柔和色调为主，如一朵绽放的玫瑰或意境深远的朦胧画等。K先生家的主卧不准备挂结婚照，小川新居画廊的签约画家为其创作了一幅名为《丘》的油画作品，画面上有两匹悠闲嬉戏的马，配以绿地山丘和亮丽的色彩，优美祥和，又有夫妻恩爱的寓意，K夫妇很是喜欢。
　　王小川最后还提醒说，画虽精美，但并非多多益善。对于一般家庭来说，选择5-10幅画就够了。

“俗艳王子”杰夫·昆斯：《悬挂的心》 资料图

    记者昨日获悉，全球最大的拍卖数据网Artprice和法国安盛保险集团近日发布了一份最新的“最好卖”当代艺术家名单。榜单上排名前20位的艺术家中，有13人来自亚洲，其中11位来自中国。川派画家成绩斐然，张晓刚以3230万英镑的总成交额排在第五位，成都著名艺术家周春芽排在第十七位，其创作艺术品去年的总成交额也达到了830万英镑。

　　6940万英镑 “俗艳王子”最畅销

    据介绍，这份名单是根据全球最大的拍卖数据网Artprice和法国安盛保险集团对2007年7月至2008年6月2900场拍卖会结果的统计分析之后作出的。20强中的前四位分别被西方艺术家杰夫·昆斯、吉恩·米切尔·巴斯奎特、达米尔·赫斯特和理查德·普林斯占去，其中位列榜首的杰夫·昆斯作品去年总成交额为6940万英镑，数额相当惊人。据介绍，有“俗艳王子”之称的杰夫·昆斯走红于上世纪80年代，在90年代销声匿迹，由于深谙艺术市场的运作，杰夫·昆斯一复出，昔日的作品价格就被炒作得翻了好几倍，并曾卖出过单幅作品2356万美元的天价。

    20强占据11席中国艺术伟大复兴

    紧跟着“剽窃”大师理查德·普林斯，中国艺术家张晓刚以3230万英镑排在第五、随后曾梵志排第六、岳敏君排第七、王广义排在第九、刘晓东排第十，还有蔡国强、严陪明、陈逸飞、方力钧……细数20强名单，有13位来自亚洲，而其中更有11位出自中国，这一比例毫无疑问让全世界为之侧目。据英国《独立报》报道，从这份名单可以看出中国艺术在世界范围内令人震惊的伟大复兴，“亚洲艺术”已经狠狠撼动了“西方艺术”在艺术市场上长达五百年的统治地位。十年之内，“亚洲艺术”将与“西方艺术”比肩站立在全球艺术品市场。

周春芽“桃花” 资料图

    川派画家占2席作品升值与画家无关

    近年来，川派艺术家的作品屡屡在海内外各大拍卖会上拍出天价，除了排在第五的张晓刚，另一位川派画家周春芽也以总成交额830万英镑排在十七位。wholesale oil painting，oil painting随后，记者联系上了成都画家周春芽，接到记者电话时，周春芽表示正在陪地震灾区的伤残儿童吃饭，听到“天价”这样的字眼，周春芽淡淡地表示他知道排行榜的事情，但真的对成交作品一无所知：“世界各地拍卖会这么多，我都不知道他们统计的是哪些作品，天价和我自然没什么关系。”周春芽说现在那些动辄成百上千万的作品几乎都是他很久以前卖出去的，升值也就是近两年的事情，所以价格高低都与他无关，“艺术家只关心艺术，不关心市场，也不对市场负责。”

    2008年全球市场份额最高前20名

    (中国艺术家)

    排名 艺术家 出生地 成交总额(英镑)

    5 张晓刚 中国云南 3230万

    6 曾梵志 中国武汉 2780万

    7 岳敏君 中国黑龙江 2780万

    9 王广义 中国黑龙江 1170万

    10 刘晓东 中国辽宁 1050万

    11 蔡国强 中国福建 1010万

    12 严培明 中国上海 990万

    13 陈逸飞 中国浙江 970万

    14 方力均 中国河北 960万

    15 刘野 中国北京 880万

    17 周春芽 中国四川 830万

本次“全球化背景下的艺术”论坛的主题论题，新兴国家的崛起显然成为了一个大家关注的焦点，因此论坛以“艺术收藏的新浪潮：重写艺术格局?”为题展开了广泛的讨论。主题论坛由伦敦艺术大学新任校长约翰?图萨爵士(Sir John Tusa)主持，邀请了伦敦蛇形美术馆馆长朱利亚(Julia Peyton-Jones)、莫斯科摄影美术馆策展人奥尔加(Olga Sviblova)、北京中央美术学院副教授赵力以及意大利普拉达(Prada)艺术基金会吉尔曼诺(Germano Celant)结合这个论题发表了各自的看法。

    坦率与真诚是探讨问题的基础

    主题论坛开宗明义地指出了目前非常特殊的背景——既有不断深化的金融危机，又有世界格局的不断变化，还有不同文化理念、文化背景以及政府、民间、机构等不同力量的胶着角逐，在可以预见的未来这种趋势会变得更加的明显而不是衰退。因此，本次论坛能够在极其真诚与坦率的交流中讨论问题变得尤其重要。主题论坛同样认为讨论全球化的问题必须要有全球化的视野和全球化的参与，故而认为来自中国、中东和俄罗斯的意见应该得到充分重视，这也是论坛意义的所在。

    收藏家与艺术家：当代文化的对手还是盟友?

    针对当代艺术的变迁，本次论坛深入探讨艺术创作与艺术收藏在此背景下的共时性的变化，进而指出当代文化的变迁已经渗透进了整个艺术世界，这使得艺术世界发生了前所未有的巨大变化，同时也造成了更多的争议性。譬如收藏家的概念显然出现了新的变化，它已经逐渐远离了个人的趣味或群体的品格，更多地发展为当代商业生活中的组成部分，或者赤裸裸地彰显出所谓其投资性的行为指标，一些收藏家更将收藏行为视为个人商标性的运用，借助于艺术而提高了个人的文化身份;还有艺术家的商业化与明星化，受到当代消费文化的影响以及商业、市场以及媒体的共同作用，当代艺术家的商业化已经到了前所未有的程度，而其中重要的艺术家也已经成为商业、市场与媒体争相追逐的对象，逐渐出现了明星化的现象，譬如说美国的杰夫?昆斯、英国的达敏?赫斯特就是其中的代表，而这种现象正在蔓延至全球。在本次论坛中针对上述问题的讨论也呈现出非常迥异的意见，也引发了彼此间的争论，但是主流意见仍是认为当代文化是艺术创作的真正来源，而当代艺术的收藏也应或多或少地反映出文化的时代特征与相关责任。

    俄罗斯的收藏家：是对新艺术的赞助还是仅仅为了荣耀?

    虽然俄罗斯收藏力量的崛起是近期非常值得关心的现象，但论坛通过具体实例，说明在其国内的艺术收藏仍处于刚刚起步的阶段。2007年之前进入的收藏家，主要关注的是俄罗斯的传统艺术或者在国际市场享有很高声誉的20世纪初期俄罗斯先锋派的作品，只是进入2007年以来俄罗斯的新收藏家才开始更多地关注当代艺术的领域，而他们收藏的方向也变得较为得广泛，不仅针对俄罗斯当代艺术进行收藏，同样也对西方还有中国的当代艺术发生了兴趣。从市场成熟度而言，俄罗斯的国内艺术市场目前亦非常薄弱，没有国际知名度的拍卖行或者画廊，但近期俄罗斯举办了一系列的双年展、艺术博览会等活动体现了自身的活力，而俄罗斯艺术收藏力量的崛起尤其是最近出现的建立私人美术馆的趋势，会在更大程度上推动当代艺术创作和艺术市场的发展。一些与会者同样也对俄罗斯富裕阶层的资金来源和资金的稳定性表示出担忧，尤其在目前金融危机不断深化、原油价格与原材料价格不断回落的形势之下，俄罗斯富豪个人财富缩水的比例逐渐增大，而卢布贬值的预期和俄罗斯外汇的紧缺，都将导致近期俄罗斯艺术收藏的某些不确定性。

 

    补充资料

    俄罗斯当代艺术市场：

    俄罗斯当代艺术已经和中国当代艺术一样，成为世界艺术市场中最活跃的交易版块。苏富比等国际拍卖公司开始登录莫斯科，把俄罗斯当代艺术品纳入其重要的征件范畴。国际艺术市场上一些重要的势力也已关注俄罗斯当代艺术。

    而更让世界艺术市场侧目的是在国际艺术市场上一掷千金的俄罗斯石油大亨，他们正在成为当代艺术趣味的最新制造者。以阿布拉莫维奇为例，就曾先后以3364.1万美元在佳士得购得《沉睡的救济金管理员》、以8628.1万美元在苏富比购得培根的三联画，而这一切却有可能只是为他的女朋友达莎?朱可娃的新艺术中心做准备。朱可娃是这一年来艺术世界最炙手可热的人物，也在一定程度上代表了当下俄罗斯富豪在艺术界中的地位。俄罗斯藏家收藏西方艺术品有着很长的历史，从古典艺术到印象派再到现代艺术，俄罗斯对这些风格的好作品的追逐不遗余力。现在，随着石油财富的增加，这些俄罗斯新贵又走出国门，参与到各种大型拍卖会上，购买培根、杰夫?昆斯等名牌艺术的代表作品，已经普遍现象。但他们的口味杂而乱，因此也被市场人士认为是不可预测的。

    中国的收藏家：引入西方的文化价值还是促进新的中国文化语汇的生成?

    尽管中国作为拥有悠久文化传统的文明古国，但论坛认为其绵延至今的艺术创作仍具有了明显的中国观点。但是所谓的中国观点并不表现为与传统的表象上的关联度，尤其是中国当代艺术的创作也表现出在全球化文化背景下的共时性特征。艺术收藏在中国同样具有传统，但是这个传统在20世纪曾经一度中断，而随着改革开放的进程而呈现出了恢复性的发展，然而远没未达到鼎盛时期。wholesale oil painting，oil painting面对复杂的当代背景，中国收藏家首先是在保存与发展本民族文化上开始觉醒，转而通过个人或群体的努力去彰显价值观。中国收藏家对当代艺术的选择是近期值得重视的现象，中国收藏家对于目前中国当代艺术的肯定并不代表着引入西方的文化价值，却是反映出他们对于全球化背景下当代文化价值的整体认识，而中国越来越多的私人或企业美术馆的出现，则无疑成为中国当代艺术的价值讨论与新语汇生成的重要场域。论坛认为中国当代艺术创作同样面临着很多的困境，最主要的是商业化对艺术创作的影响以及中国当代艺术自身进一步发展的问题，进而认为这些因素已经构成了某种制约的力量，并开始消解中国当代艺术的自身意义。论坛还认为中国收藏家群体仍具有明显不足，终极收藏家难得一见，投资的愿望仍十分普遍，收藏家的社会责任仍是一个亟待普及的观念。而中国收藏家与市场的关系过于密切，这使得他们对于艺术价值的认识模糊不清，难以支持系统性的收藏行为，并有可能偏离艺术收藏的行动主轴。论坛对于中国当代艺术创作的未来仍抱有充分地期待，并认为中国当代艺术的未来价值应体现为其独立而完善的自我特质，而中国收藏家也应该成为其最终成型的推动力量。

    中东的收藏家：塑造国际形象还是激发当代艺术?

    中东作为一个崭新的艺术收藏区域已经越来越得到人们的关注，论坛也认可了这个观点。由于中东的特征并不仅仅体现在针对艺术作品的购买上，而且也反映在大型艺术场馆的大肆兴建方面，因此其立足于融入国际社会的未来形象尤其受到人们的重视。但是我们也应该进一步看到目前中东的购买力主要体现在权力阶层的上层，其购买力的纵深以及广泛的参与度还远未显现出来。在另一方面，大量艺术品的舶来也显示出这个地区艺术创作力的相对薄弱，这个问题需要时间去解决;同时舶来的艺术品还存在着一个本土化的过程，目前看来这个过程同样需要相当长的时间与周期。此外，中东地区的艺术市场目前也处于刚刚起步的阶段，画廊市场刚刚发育，拍卖市场仍由西方拍卖公司所左右。论坛认为，即便中东地区的大多数收藏家的收藏方向仍以本地区的传统艺术为主，其收藏趣味也具有明显的区域特色，对于本地区或者国际当代艺术的实际参与程度依旧十分有限，但是该地区的发展性仍是值得期待的，同样近期伊朗当代艺术在中东市场上的快速走红，也反映出该地区在改变与发展上的积极与活力。
 

    补充资料

    中东当代艺术的兴起：

    以石油富饶起来的中东地区，近几年对文化的投入亦非常明显。而拥有巨额财富、具备收藏能力的石油大亨和王室贵族也成为艺术市场上令人瞩目的焦点。如卡特尔王室的谢赫?沙特?艾尔塔尼为新艺术品博物馆的修建，就大肆在全球购买艺术品，他们也顺势成为全球最大的藏家之一。比如，他曾一口气用1500万英镑买了两块古陶片、印度莫卧儿王朝时期的匕首、17世纪的玉质长颈酒瓶等。

    现在，中东地区的文化建设已有不小成就。古根海姆、卢浮宫纷纷在中东阿布扎比地区建立分馆，预计到2011年还将以为中心简称一个大型的艺术区。迪拜也有了具有一定知名度的迪拜艺术博览会，离迪拜半个小时车程的沙迦市也有了自己的双年展。同时，国际拍卖公司如佳士得、苏富比、宝龙等也不约而同地在中东设立办事处或开设分公司。而在今年春季宝龙拍卖行在迪拜的首场拍卖会上，伊朗艺术家哈德?莫西里的作品《爱》拍卖出了104.8万美元，成为中东首位打破百万美元成交价的艺术家。与之相随，中东其他艺术家的价格也开始上涨。

画家克利姆特

作品展览

近日在2008年“欧洲文化之都”利物浦开展

克利姆特是20世纪欧洲最多产的艺术家，他的绘画以情爱和丰腴的颓废女性为描绘主题，成为上个世纪维也纳分离派的最佳诠释者。他也因复杂曲折又讳莫如深的爱情故事成为维也纳现代艺术乃至这座城市的象征。

2008年“欧洲文化之都”荣誉落户英国利物浦，上周五克利姆特大型展览在利物浦泰特美术馆开展。这次展览是利物浦“欧洲文化之都”活动的重头戏。

链接:“欧洲文化之都”

“欧洲文化之都”是由欧盟每隔一段时期挑选出来的一个或几个欧洲城市，授予其“欧洲文化之都”荣誉称号。“欧洲文化之都”发起于1985年6月13日，为的是让欧盟国家透过城市文化的交流与分享加强团结，营造出具有多元文化特色的欧洲共识。第一届在希腊雅典举行，截至2008年，“欧洲文化之都”已举行了23届。现在“欧洲文化之都”已经成为欧洲各国激烈争夺的焦点，因为一个城市不仅可以赢得这个光荣的称号，更可以借此宣传本土文化，刺激经济和各方面更快的发展。目前“欧洲文化之都”的举办国已排列到2019年，基本上是每年从东西欧两个国家中各选出一个城市来共同举办。

利物浦:披头士的故乡乘势“复兴”

利物浦是英格兰的大工业中心及第二大商港。在英国这个以传统和保守著称的国家，利物浦显得有些另类。它有两大骄傲，一是顶尖的流行音乐，二是足球。令无数流行乐迷倾倒的披头士乐队的四人:保罗·麦卡特尼、乔治·哈里森、林格·斯塔尔以及约翰·列侬都出生成长在这里。另一个利物浦人引以为豪的就是足球。这个城市拥有两个很著名的冠军足球俱乐部——利物浦足球队和埃弗顿足球队。

利物浦于2000年9月宣布竞选“欧洲文化之都”，经过竞争筛选，欧盟理事会于2004年5月批准利物浦和挪威的斯塔万格市为2008年的“欧洲文化之都”。

2008年1月11日晚，在利物浦市中心的圣乔治礼堂外，“欧洲文化之都”活动开幕式正式宣告开始。原披头士乐队鼓手林戈·斯塔尔重回故里，在礼堂楼顶的舞台上演唱他的新歌《利物浦8》。在整个文化活动里，预计一共有350多项文化活动贯穿全年，利物浦出生的著名指挥家西蒙·拉特尔将把柏林爱乐乐团带到故乡演出，披头士乐队的主唱保罗·麦卡特尼将在故乡组织两场大型流行音乐会，为家乡人再献歌艺，环球快艇比赛将在今年决出冠亚军，国际街头艺术节、欧洲最大的自由城市音乐节、默西河艺术节、世界爵士乐音乐节、利物浦阅读节、利物浦之声音乐会等等，都会在这座古老的工业城市一一上演。

在利物浦文化之都的活动中，利物浦国际双年展和《克利姆特:wholesale oil painting，oil painting1900年代维也纳绘画、设计与生活》成为美术部分的重头戏。

作为利物浦“欧洲文化之都”的重要文化事件，泰特美术馆为了这次展览准备了整整4年。“如果我知道准备工作是如此艰辛和困难，或许当初我就不会接下这个任务了”，泰特美术馆利物浦区主任及这次展览的策展人克里斯托弗·格拉恩伯格对媒体承认，“它给了我太多的不眠之夜。”由于克利姆特作品与日俱增的价值以及担心藏品会在运输中遭到损坏，收藏家和画廊都越来越不愿意借出这些珍贵的画作。格拉恩伯格说:“画展的规模以后再也不可能了。这次展览将是空前绝后的，人们再也不愿意把这么珍贵的作品出借了。”

这个展览检阅了20世纪早期帝王之都维也纳的设计与生活，同时也探索了克利姆特本人在维也纳分离派中间的领袖地位:这个团体涉及了包括绘画、建筑、家具和服装在内的几乎所有艺术领域。除了克利姆特的绘画和素描，泰特美术馆还借到了椅子、桌子、餐具，甚至包括一个银把手——正如分离派笃信艺术可以触及人身体的每一个部分。当然，更重要的还有“性”，这个克利姆特和分离派最钟爱的主题。克利姆特喜欢将他的模特画成摆着各种暧昧姿势的优美素描，为此泰特美术馆专门用了一个厅来展示这些惊人而美妙的作品。

格拉恩伯格介绍说:“很显然克利姆特是用一种非常开放的方式去描绘一个真实、独立而又充满色情的肉体，他不仅仅是在复制一个个客观的女性，而是在展示一些真实和独立的人类灵魂。”

油画增光彩，厦门迎盛会，首届海峡文博会油画专场在乌石浦油画村拉开序幕wholesale oil painting，oil painting 

什么叫"前卫艺术"？简言之就是比较超前的艺术。虽然超前，但还是属于艺术的范畴。例如，在传统的学院派艺术占统治地位的时期印象派就是前卫艺术。后来，后印象派不受客观对象的局限，也不以表现光和色为主要宗旨，他们以表现主观世界为主，相对于印象派而言，就是前卫艺术。在后印象派的基础上又产生了以马蒂斯为代表的野兽派和以毕加索为代表的立体主义绘画等现代诸流派，它们则成了"前卫艺术"。在西方现代诸流派的基础上，又产生了"后现代派"，后现代派的主流仍可以叫"前卫艺术"。而后现代派中的有些派别和所谓艺术，从严格意义上讲根本不是艺术，因此不能叫"前卫艺术"。对"前卫艺术"也要一分为二。也要进行臭体分析具体对待。前卫艺术中有精华，也有糟粕。有些自称是"前卫艺术"的，实际上根本不是"前卫艺术"。而是对"前卫艺术"的亵读。

去年，在中国产生的一些"行动艺术"。以自虐、自暴、自杀、恶心为目的，以生肉、尸体、动物、人体为创作材料以烙印、放血、割肉、手淫。食死婴为极端行动的所谓"艺术"。根本不是什么"前卫艺术"，也不是什么"实验艺术"，而是地地道道的"邪艺术"。只有叫它们为"邪艺术"。才符合它们的本质，也才能划清它们与"前卫艺术"的界限否则，将会玷污了"前卫艺术"，也会混淆广大民众的认识。

真理是具体的，任何真理都有其适用的范围，如果超过了适用的范围和条件，真理也会变成荒谬绝伦的东西。正如列宁所说：哪怕是朝同一方向多走半步真理也会变为谬误。我们坚持和提倡"多样化"但不是资产阶级自由化，也不是放任自流，更不是越杂越好。越乱越好，越邪越好。正像我们要提倡和保障"宗教信仰自由"，但必须坚决反对邪教一样。对真正的"前卫艺术"和"实验艺术"，我们采取宽容和开放政策。但决不允许搞那些血腥、色情、暴力。甚至吃死婴的"邪艺术"。沉溺于邪艺术的所谓的艺术家实际上对前卫艺术缺乏真正的理解。前卫艺术不失艺术的基本特性－－积极、健康、向上、超前的审美性、情感性、形象性、典型性、也不失艺术的基本社会功能--审美作用、认识作用、教育作用、宣传鼓动作用、娱乐作用。

"至少我认为自己的作品是真诚的。"－－这是搞邪艺术者为自己辩护的一个论据。我认为判断一个事物的好坏、美丑，不能以自我标榜的"真诚"为依据。吸毒贩毒、杀人放火、抢劫银行、贪污受贿都是"真诚的"不真诚就不成事实。但法律决不会因为他们的"真诚"而不处罚；关键要看社会效果。

"敢为天下先"--这是邪艺术家们的又一张王牌。自虐、残暴、吃死婴、甚至自杀，这算什么天下先）历史上的奴隶主、封建帝王、反动军阀、土匪流氓恶棍比你们残暴得多得多，你们只是小巫见大巫。所不同的是邪艺术家们还要给自己的残暴、恶心行为冠以"艺术"的美名。蒙上一层艺术的皮、奉劝邪艺术者们不要糟蹋艺术了，艺术是个高雅、纯洁、神圣的阵地，决不允许污染。

"一个行为只要与社会发生关系，都可以成之为艺术。"这纯粹是不学无术的胡说。人类的行为，没有不与社会发生联系的。照邪艺术家们的逻辑：各行各业、万事万物都可以成为艺术。吃喝嫖赌、吸毒卖淫也与社会发生关系，也该算艺术了，这是什么逻辑？

邪艺术为什么会产生？为什么会有人要鼓吹和支持邪艺术？他们自己讲得非常明白："要么是大爷，要么什么也不是"、"恶作剧越恶心、名气越大"。为名为利，这就是他们的最终目的和人生哲理。艺术是项严肃而艰苦的事业"台上一分钟，台下十年动"干艺术要付出巨大的劳动和艰辛的努力，要投入毕生的精力刻苦奋斗。邪艺术家们不愿默默无闻，不愿耐寂寞，他们渴望和幻想不劳而获、一举成名，五分钟就能成为世界"明星"、"巨匠"。世界上哪有这样的美事？

值得注意的是，中国的一些邪艺术已经取得和正在取得国际上别有用心者的支持和怂恿，为其所豢养。

有些艺术评论家和策展人，很有活动能力，被人称为邪艺术的"精神教父"我希望你们不要凭借智力和地位去蒙骗和怂恿年轻人搞邪艺术。wholesale oil painting，oil painting到头来，只能既害别人，又害自己既害国家和民族，又糟蹋了艺术。

搞邪艺术的人，多数为美术院校的毕业生，这说明：高等艺术院校要加强对学生进行马克思文艺观的教育。艺术要为人民服务，为社会的进步服务，这一真理永远不会过时。国家和政府应该建立相应的法律或规定，拒绝和限制邪艺术的泛滥。

社会主义中国的艺术，必须坚定不移地贯彻和执行党的文艺方针，按江泽民同志所讲的："以科学的理论武装人，以正确的舆论引导人，以高尚的精神塑造人，以优秀的作品鼓舞人。"邪艺术能做到吗？邪艺术要把人引向何方？邪艺术家们应该好好反省，应该适可而止，不要越走越远。不要当邪艺术的"痴迷者"。

美术家蔡若虹先生说得非常正确："真善美和伪丑恶的无休止的搏斗，是我们社会主义时代的特征。"我们要善于识别真善美和伪丑恶，要勇于同伪丑恶进行斗争。美术家王琦先生说得也好："人类历史的发展道路从来不是笔直的，但我们追求真善美的信念和意志，却不应该是弯曲的。"

    重庆市九龙坡区黄桷坪是四川美术学院所在地，那里有号称世界第一涂鸦街的黄桷坪涂鸦艺术街，近日这里又狠拽了一回受众的眼球。据《重庆商报》等媒体报导10月16日为期2天的第2届Vital现场艺术节在黄桷坪501艺术中心开幕，70后艺术家黄淋一出场就把衣服全脱掉，躺在一个铺着白布的桌子上，让2位老太用刷子蘸着鞋油擦满其全身。黄淋解释自己的这个作品是为了用日常化的行为带给观众们陌生化的感受以引发观众思考。据悉两老太为路边擦鞋工，她们表示不懂艺术家的寓意，却因短短15分钟便有50元进项而欢喜，并称“擦他的身体就像给孙儿洗澡。”

    　　当众全裸又用鞋油擦满全身，抛开艺术不艺术不说，我们知道在公共场所全裸是不被我们的道德伦理所接受的也为法律所禁止，2005年8月28日第十届全国人大常委会第十七次会议通过的《中华人民共和国治安管理处罚法》第四十四条规定：“猥亵他人的，或者在公共场所故意裸露身体，情节恶劣的，处五日以上十日以下拘留”。艺术中心虽然还不能说算是车站、商店、广场那样的“公共场所”，但绝不是私人场合，应属一种特定范围的多人场所，显然是具有公共属性的。就算是创作人体行为艺术的地点都是私密的封闭的，但最终还是要通过不同的传媒面向公众则是不争的事实。其次，我们还未见过皮鞋油擦身体有损健康的报导，但就常识而言也绝不会有益健康的。媒体报称黄淋的父母倒是很支持儿子的做法，虽然搞不懂他在干什么。只是父亲担心儿子的健康，不久前打电话问黄淋，将鞋油涂在身上会不会中毒。

    　　这个“第二届Vital现场艺术节”频暴冷门，10月17日《重庆商报》又报称，行为艺术第二场第一个表演的是重庆艺术家岂子和刚子，他们的当场吃纸表演，把整整一本新华字典“吃掉”。这既不是地震被掩埋也不是吃木碳的猪坚强，吃哪门子印满铅字的纸呢？行为艺术令人费解还有更甚者，今年9月8日东方网转自《新闻晨报》消息：上海五角场800艺术空间秋季艺术周开幕式上，行为艺术家周斌从身上抽血作画女观众受惊吓闭眼，有的观众连连摇头真不知道艺术家为何要如此自虐和糟蹋艺术。然而在行为艺术家本人却自有一套观点，周斌的作品名叫《174厘米血迹》，他说：“我这么做，是有许多想要表达的思想。在宣纸上慢慢融化，代表着很多私密的东西。也许有的观众会嗤之以鼻，但我无所谓，观众的态度对我来说不重要，艺术不是让人觉得好看，不是感官享受，而是让人用头脑思考。”

    　　艺术家有艺术家的审美观点，公众有公众的审美视野，艺术家的观点可以比公众前卫、出位。有业内人士称：类似周斌等的行为艺术是一种“极限、自虐与文化隐喻”，他的一系列关于自我的作品，探讨的是在当代文化语境中，具有民族文化基因的个体所面临的自我问题：自我的矛盾与冲突、自我的隔离与交流、自我的固守与重建等等。然而，受众则不可能都是艺术家，对于行为艺术家的作品会在视觉上不适，无法理解其寓意也不知道艺术家要表达什么东西，只是觉得荒诞和丑陋乃至误解也是正常的。

　    　当然，我们不能不要这些差异，因为没了差异就没了艺术。但是，裸是得分场合的，比如在家拉上窗帘可裸在澡堂子在产房都需一丝不挂等。艺术与低俗的分野的界定，在艺术家和民众不会一样，然而艺术是要为大众服务的，那么就有一个荣耻和公序良俗这样的大前提。艺术也好前卫也好不能不考虑受众即大多数群体的感受，因为你的“作品”一旦面对公众也包括你的父母兄弟姐妹，这就具有了社会属性，你就须先尊重我们这个社会的道德秩序和国情民意，你的艺术如果引起他人的不适那就是不宜的。且不说受众能否与上述艺术家思维同拍，既便脱与裸的施与与被裸体“强暴”的感受也绝不会一样。所以，做为社会精英的艺术家应当更具廉耻之心。

　    　艺术是人们把握现实世界的一种方式，艺术活动是人们以直觉的、整体的方式把握客观对象并在此基础上以象征性符号形式创造某种艺术形象的精神性实践活动。我们的艺术家的艺术行为的发生应更看重作品与社会的关系，一个有价值的艺术品必定是蕴含人生哲学和艺术史意义的作品，比如反映特定社会或艺术史变迁之际民族的审美文化、审美心理，比如作品因作者和艺术品本身与社会历史联系所蕴含的社会价值。

　    　人体艺术、特别是以裸体为表现形式的那些行为艺术至今还不能为公众广泛接受，也许这需要一个过程。自上世纪初西方人体艺术输入国门，其内涵和意义就非常复杂，一方面被视为洪水猛兽对以服饰礼仪文明为特征的中国传统人性文化构成巨大冲击和威胁；另一方面又被看作是反封建反传统的是现代文明的象征。如我国美术教育家刘海粟1917年在上海美专举办的学生毕业成绩展览中陈列人体习作素描曾触发了“裸体模特风波”，刘海粟当时被斥为“艺术叛徒”、“教育界之蟊贼”。

　    　从“五四”运动时期开始人体模特儿与裸体艺术就在中国站住了脚跟，后来的阶级斗争时代，人体都被草绿色蓝色裹的死死的。经历了那个年代裸无疑成了当下国人的一剂猛药，比如想出名的秀臀秀乳沟，想出书想求婚的闹市裸奔，排电影电视的半裸、全裸床上戏、裸替的不一而足。现在文化多元艺术多元，人们可以更多地张扬个性，裸的张力和引力似乎日渐增大。去年国庆黄金周香港旺角、尖沙咀和铜锣湾等旅游区电影院暴满，7分钟情欲镜头成了焦点，内地游客专程赴港看“色·戒”，wholesale oil painting，oil painting亦可见裸和裸戏激动人心之一斑了。

　    　近年来“裸”的行为艺术愈演愈烈，2005年4月13日川音成都美院其中国画系和雕塑系的41个在校男女大学生，在南郊牧马山高尔夫球场一侧草坪露天全裸用白哗哗的身子组成了电子邮件符号“@”，至今还引起国人激情澎湃的忘情回忆。2006年5月21日川音成都美院教师王承云和他的20多个学生在南京博物院举办了一场名为“实验空间”的当代艺术作品展，该院油画系大二女生王桂权一组从不同角度自拍的女性下体写真引起争议。2006年9月江苏技术师院艺术学院56岁的副教授莫小新，在一次“人体艺术与人性意识教育”现场教学研讨会上，宽衣解带赤裸着身体向几十名学生及老师阐述自己对人体艺术和人性文化的理解。2007年10月6日由摄影家何远波发起，以“珍爱生命，保护水源”为主题的百名人体志愿者艺术摄影活动，志愿者裸体在贵州省开阳县南江大峡谷清冽的溪水中咆哮穿行，据称百名志愿者裸身摆拍宣传环保其规模创亚洲之最。

    　　2005年媒体曾报道某地的一个中学美术教师在美术课堂上当着学生的面吃大便自称为行为艺术，教师是传道授业解惑的绝不是用来裸教或吃大便的，教师用自己出格的教学方式就是强暴学生的意愿，教育是科学不是杂耍不是滑稽剧。同样道理，环保也好保护水资源也罢，百人的男女老少水中群裸其艺术究竟何在？眼下也许是艺术家们的衣服脱完了遮羞布也撇了连性器官也“特写”下来艺术了的“艺术时代”，那么还有什么不能艺术呢？连卫生巾、卫生纸也撒上颜色弄成绷带一般挂在展厅飘然悠然，所谓艺术作品如果没有羞耻没有思想内涵只是暴露，那只能是病态是疯癜是对人体艺术的亵渎，也是对自己和他人的亵渎。难道裸了就艺术了吗！人们无论在职场还是在生活中都需要有一个基本的道德底线，不能违背主流社会的价值准绳和公序良俗，在这一点上人体艺术并没有“豁免权”。

　    　在这个文化多元艺术多元的时代，行为艺术作为艺术的一种形式已经进入了人们的生活，但当前述的“@41”、“裸教”、“女大学生下体写真”、“开阳南江的水中群裸”，此次的艺术家赤裸全身擦鞋油，艺术家们以如此出人意料拽人眼球的方式呈现在公众面前，已经远远超越民众对常态生活的理解，挑战人们感官和精神的极限。如果行为艺术家具有个性重现人文关怀，能够比较敏感地触及到社会问题具有较深的社会责任感，能够保持精英姿态从而创作出现实主义的艺术作品，那当然应引起关注与赞扬。出生在70年代的艺术家黄淋，被称为四川美术学院出现的“将自己的视角转向社会，关注社会问题而又拒绝卡通媚俗化的艺术家”之一，此次出位表演令人大跌眼镜。人们呼吁我们的艺术家通过艺术创作来表现、传达自己的和人民群众的高尚的审美感受和审美理想，拒绝低俗而不是出位和媚俗，让欣赏者通过艺术欣赏来获得真、善、美的熏陶和感染，引起思想感情、人生态度、价值观念等的良性变化。

无论是刚刚结束的香港苏富比拍卖，还是刚刚在上海闭幕的2008华人收藏家大会，中国艺术品市场走向已成为收藏界关注的主要话题，一度借助于经济辐射散发出斑斓色彩的中国当代艺术的好日子似乎也已经到头。面对经济调整阴影下的中国艺术品收藏，不少参加2008华人收藏家大会的专家接受早报记者采访时认为，中国当代艺术的调整势所必然，中国当代艺术曾经的繁荣大多是被境外基金炒作的结果，且严重缺乏自身的文化判断，现在的低潮只是其价值回归的开始，而对中国古代艺术品及近现代名家精品而言，泡沫化其实并不存在，“真正扎根于中国传统与历史的艺术品永远没有泡沫。”

    “当代艺术”有泡沫无前卫

    提起中国当代艺术市场，让人想到的似乎就是频频被炒高的撇嘴傻笑的光头图像或像张晓刚那样虚虚乎乎的人像图，年轻艺术家一度也纷纷陶醉在这样一个所谓的当代艺术市场标准中，你追我赶地塑造出同一张面孔。从2005年开始飙升，到去年底与今年春天，这股“当代”之风终于呈现出后继乏力的现象。

    对此，画家丁绍光昨天接受记者采访时说：“一些画家反映现在青年一代的彷徨，可以理解，特别是经过‘文革’，青年也受到一些伤害，有一种情绪要表现，但是这股情绪正好让外国人利用。我举个例子，画光头打哈欠的人，画的时候绝没有想到为美国获利，但是被美国杂志登上封面，封面上写着整个中国呼救——完全政治化了。”他认为，当代艺术从模仿欧美开始，后来模仿的人更加悲惨，因为作为一个艺术家，连表达自己这一条都没有，完全是金钱的奴隶。

    在文物鉴定家赵榆看来，“当代艺术”这样的概念并不准确：“当代艺术其实有两种，一种是前卫艺术，类似于欧美前卫艺术的‘中国制造’，也就是人们所熟知的所谓当代艺术，另一种则是当代中国传统艺术，是一种深深扎根于中国文化的当代艺术。”他认为，海外基金通过炒高中国前卫艺术无疑获取了丰厚的利润，但这些基金能坚持多久其实是有很大疑问的。

    一位专家认为，真正的前卫艺术是一种立足于个性真正自由与解放的艺术，而就中国所谓前卫艺术而言，大多只是被海外生意人所规范出来一种泛意识形态的创作模式，而这恰恰是对个人精神自由的抹杀，所谓的前卫完全是一个面具与走向市场的广告而已。

    文物与近现代精品不可再生

    收藏家郭浩满认为，目前，由于艺术市场陷阱、误区处处, 许多拍卖行、画廊和经纪人已出现了诚信危机。目前艺术市场上把中国绘画艺术的主次颠倒、指鹿为马的现象必须纠正，必须让被扭曲的中国艺术市场得以拨乱反正，并让市场了解什么样的作品才具有真正永恒的价值。“毫无疑问，中国绘画艺术的主流就是中国画，这是中国五千年文明孕育而发展成熟的东方艺术体系。wholesale oil painting，oil painting”他说。

    与当代艺术泡沫破灭论相对应的是，赵榆昨天在接受早报记者采访时则语气坚定地认为，中国文物艺术品不仅没有泡沫，也没有低估，更不存在崩盘的危险，“当代艺术基本上是年轻人在做，他们几乎是每天都在创作，都在生产他们的艺术品，源源不断，我去年就不同意苏富比对当代艺术看好的观点；而中国大陆的文物艺术品，特别是近现代以上的也就是说近百年以上和古代的文物艺术品，都属于不可再生的，可以说都是卖一件少一件，存在着不断升值的可能，物以稀为贵，即使不说文物，以傅抱石、齐白石的精品之作而言，他们的作品还在继续增值，因为他们的作品是真正扎根于中国文化的，真正有价值的艺术品永远没有泡沫。”

    赵榆表示，他对真正扎根于中国土地与文化的艺术品永远看好。

    旅美画家丁绍光认为，中国的艺术一定要立足于自己的文化，“世界是多样的，但是民族性是民族的灵魂，这是非常关键的。”

提供艺术品出租，或者承诺保值增值，“艺术银行”的牌子在京城打出之后，引起了诸多好奇。

　　只要付租金就能把名画拿回家，尽管艺术品租赁并不是国内首创，但是京城首家艺术银行一经面世还是成为近一段时间艺术界人士关注的焦点。租艺术品可以按日算租金，买艺术品还可以保值增值，听起来就让人禁不住兴奋。有人认为它帮助收藏者规避投资风险、有助于艺术普及，也有人觉得它商业味太浓培养不出什么真正的艺术收藏者的，外界是褒贬不一。

　　艺术银行到底能为艺术爱好者做些什么？记者日前来到推出艺术银行的世纪墙艺术中心一探究竟。

　　艺术品出租按日计价

　　穿过北京丰联广场的商场区，来到挂满艺术品的墙美术馆，风格各异的油画、雕塑、摄影作品一下子吸引了人们的目光。墙美术馆艺术总监告诉记者，自从去年年底推出艺术银行这个概念以来，已经租走了五六十件艺术家作品，长安俱乐部、丰联商务会所等商业机构也正在同他们洽谈之中，有意定期租赁当代艺术品作为会议展览陈列。

　　艺术品的租赁和销售是墙美术馆艺术银行的主要项目，他们和多名中青年当代画家合作，由他们定期提供作品，目前可以出租的艺术品已经有3000多件。不过据了解，“艺术品租赁”并不是什么新行当，早在1972年加拿大就出现了艺术银行，它通过非政府文化艺术机构购买优秀的艺术家作品，再将作品转租或销售给政府机关、企业、私人用于陈列、装饰、收藏等。

　　在欧美不少发达国家都拥有政府和公益团体支持的艺术银行，日本、韩国、新加坡等亚洲国家也都纷纷开展了“艺术银行”项目。国内首家公共艺术银行也在2006年底出现，由上海市文化发展基金会和徐汇区共同筹建，通过公益性质的艺术品购买和租赁，对艺术原创给予支持。

　　艺术品的租金贵不贵可能是人们首先关心的问题，在墙美术馆对于短期租赁艺术品除了收取押金外，还将以日计算收取租金，租金收取额按双方认可价值的3%至6%来收取。比如一幅价值20万元的画，每日租金约在6000元至12000元。

　　什么人会每天掏出不菲的价钱来租画呢？据介绍，目前对租画热情高的都是一些个人客户，还不是墙美术馆预期中的大型机构和商业空间。经营服装生意的毛小姐为了租一幅罗中立的油画，三天就要交72000元租金，这个费用也应该能买一幅油画了。但是她认为名家的作品才能更好地向外国合作伙伴展示自己的艺术品位，对促成服装生意大有帮助，所以这笔钱花得还是值得的。

　　为了应付一个场合、装点一下门面等对艺术品的短时需求，让一些人选择了去租画而不是买。而作为一家艺术品收藏经营机构，墙美术馆难道不希望艺术品能卖得越多越好吗？墙美术馆艺术总监表示，他们更希望把收藏的艺术品租出去，而不是卖。现在他们收藏的几位艺术家的作品在数量上和质量上占有优势，所以对其中一些作品不太愿意出售，一旦分散到各地，再想收藏起来就难了。

　　但有画廊业人士对此并不以为然，他认为说到底还是追求利润最大化的问题，租画当然比卖画获利更多。比如售价20万元的画，画廊的购入成本大约在七八万元，按照每天6000元至12000元的租金计算，只要此画被累计租用10天以上，画廊就完全收回了成本，那么无论以后是租还是卖，都是干赚钱了，这么高的利润当然谁都愿租不愿卖了。

　　艺术品出售“确保增值”

　　一位收藏者花50万元从“墙”美术馆购买了一幅苏新平的油画，他同时签署了一份委托出售文件，如果他愿意的话，墙美术馆可在一年之后以不低于54.5万元的价格将这幅作品重新收回。此外，如果这幅画经艺术家本人或者权威鉴定机构鉴定后认为是赝品，该美术馆将会按照出售的价格进行双倍赔付。

　　墙美术馆的负责人表示，无论是租赁还是出售的艺术品他们可以作出保真承诺，但是保值增值的承诺范围只限于他们主推的王劲松、苏新平等6位艺术家作品。他们认为，这些画家的作品真正具有美学价值，并在艺术史上有相当地位，同时得到著名的艺术评论家的认可，此外是国内外艺术市场包括拍卖市场上类似作品的拍卖价格。

　　实际上，绝大多数来墙美术馆买画的人就是冲着“保真增值”承诺来的。当代艺术品价格的不断走高，让很多收藏投资者对其发生了浓厚的兴趣。但是对当今的市场热度，已经有一些艺术评论界人士表示出了担忧，他们认为当前80％的当代艺术作品都将随着时代的发展而被淘汰，很多滥炒出来的价钱也是站不住脚的。在这种情况下，墙美术馆艺术银行的保真增值承诺自然被人们寄予了规避风险的期望。

　　据艺术银行经纪人介绍，如果收藏者花10万元购买一件墙美术馆推荐的作品，他们可以与购买者签订一个出售协议，比如说一年内保证这幅作品最少升值到11万元，如果到时候达不到11万元的价格，美术馆会向购买者补足这个差价。同时，收藏者购买了艺术品后，可以将作品委托给艺术中心，由艺术中心进行对外租赁和举办展览活动，艺术中心每年会向所有者支付10%的租金。

　　看上去在这家艺术银行购买艺术品似乎包赚不赔，不过一些艺术界人士对此却有不同看法。艺术品的价值是多少、是否升值、升值多少等关键问题由谁说了算，是拍卖市场？还是艺术银行呢？如果按照画家作品的拍卖价格为标准，画家两幅估价相同的作品，因为风格不同、拍卖公司不同，也可能有不同的成交价格，那又该以哪个成交价来衡量升值呢？

　　另外，“艺术银行”得以保值增值的主要依据和前提在于挑选的艺术家的作品是否具有升值潜力，但是“艺术银行”专家的把关究竟有多严？对市场的预期究竟有多准？

　　同样需要市场和时间

　　专家认为，投资就有风险，投资者加强自身学习才最重要，艺术银行也要赢利，收藏者不能指望它们来规避市场中的陷阱和泡沫wholesale oil painting，oil painting，艺术银行的推荐可以作为一个参考。

　　民营艺术银行很难名副其实

　　艺术银行艺术品不菲的租金显然让普通的艺术爱好者难以承受，更多的人可能宁愿把画买下来，而不会去租画，但是“艺术银行”作为一个新鲜事物还是引起了人们的兴趣和关注。有业内人士认为，艺术银行在欧美国家是较为流行的艺术品出租计划，但墙美术馆仅仅是“照猫画虎”，将其引入自己的画廊经营中，新概念固然可以吸引人们的眼球，招揽生意，不过已经同艺术银行普及艺术的本意相差很远了。

　　分析人士认为，作为一家民营的艺术品经营机构，追求利润是毫无疑问的，在激烈的市场竞争下，“艺术银行”的概念被拿来刺激一下顾客、招揽生意也是正常，而且它也确实能够满足一部分人对艺术品的短时需求，尽管目前这种需求在国内还很小。不过对于一般的艺术爱好者、投资者而言，涉及到艺术品的投资增值问题就一定要谨慎对待了。2005年以来，杭州、沈阳等地的古玩经营机构曾经推出过书画银行，并都对收藏者许诺诱人的高投资回报，结果引来社会各界人士的蜂拥而至。书画银行经营者对此始料未及，本来当初只是为吸引顾客作秀，却被外界质疑有非法集资之嫌，闹得事情无法收场。短暂的轰动效应过后，如今这些所谓的“书画银行”也没有人再提起了。

　　实际上，国内多数艺术品经营机构对艺术银行好像并不感兴趣，或者持观望态度。在北京观音堂画廊一条街，当记者提出能否出租艺术品时，多家画廊的经营者都加以回绝。一家画廊的负责人认为，所谓的艺术品租赁不过是一种包装而已，画廊的主业不可能在此，至于保证艺术品能有多少投资回报率，并不是一个成熟的画廊所应该做的。

　　让艺术银行承担起服务于大众、提高人们修养素质的义务，也只有政府才有足够的财力及抗御风险的能力。据介绍，国际上运作比较成功的艺术银行也都是带有一定政府色彩的，比如澳大利亚的“艺术银行”就是澳大利亚政府实行的一项艺术品出租计划，面向的群体也是本国大众，“艺术银行”只是藏品的管理者，并没有经营的压力。相比之下，北京出现的艺术银行，显然没有什么公益色彩了。