近年，对中国景观进行观察思考成为摄影展览中最新也是最重要的一个类别，10月15日在广州市红专厂EMG大石馆开展的〈中国风景〉第二回展就是其中重要的一环。

阿特-克洛基

克洛基先生在2005年comic-co上与冈比的粉丝们合影

小绿人冈比(Gumby)和小马波奇(Pokey)是动画界最有名的粘土人物之一

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　　【英文】Chinese Art in Stop Motion Animation

　　2011年10月12日，是美国粘土动画大师“小绿人冈比” 创造者阿特-克洛基诞辰的90周年，为纪念纪念阿特-克洛基今天的Google Doodle的涂鸦是动态的，开头一Google第一个字母开始，只要你点击任何一个东西，都可以产生非常有趣的动画。

　　Google Doodle由于其独特的艺术性吸引广大爱好者，纪念阿特-克洛基90周年诞辰的谷歌涂鸦绝对是Google经典Doodle，非常有创意。

　　谷歌纪念阿特-克洛基90周年诞辰涂鸦非常有意思，是由G和5个小圆球组成，只要你点击Google Doodle任何一个，都可以形成各种形状，如下图：

Google Doodle

　　冈比是由阿特-克洛基(Art Clokey)在1950年代创作并于1953年推出，当时阿特-克洛基还是在南加州大学就学，自1957年起冈比系列的动画开始在美国国家广播公司播放。

　　克洛基和他的妻子露丝(Ruth)与50年代创造的粘土动画人物小绿人冈比(Gumby)和小马波奇(Pokey)在美国家喻户晓。以他们为原型的动画《冈比的月球之旅》(Gumby Goes to the Moon)在1956年播映并大获成功，美国NBC电台随后资助克洛基开始在1957年播映冈比的系列动画。

　　冈比系列在60年代风靡一时，并在80年代因美国影星艾迪-墨菲(Eddie Murphy)的综艺节目《周六夜现场》(Saturday Night Live)中被戏仿而再度被热捧。1995年，由克洛基执导并制片的冈比系列电影在全美公映。除小绿人冈比外，克洛基的另一部定格动画系列《戴维和歌利亚》(Davey and Goliath)也受到关注。

　　克洛基童年波折，在8岁父亲去世后，他被母亲及继父抛弃。直至11岁被波莫纳学院的音乐教师兼作曲家约瑟夫-W-克洛基(Joseph W. Clokey)收养。克洛基曾参加第二次世界大战，在北非及法国战场拍摄侦查照片。这位历经坎坷的粘土动画大师，用他创造的绿色小人冈比，把永恒的欢笑留给全世界的人们。

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　　由于毕加索的画风变得很多，像孙悟空变七十二变，我们把它分成几个阶段来看。

　　毕加索是公认的西方19世纪中叶法国的印象派以来到现在这100多年来，最重要、最伟大的一位画家。他是一个承先启后的关键人物，在他之前的画家画派，到了他面前被他吸收去，集其大成，发展成为他自己的独特的艺术;然后从他身上分出去。在他后面的画家，欧洲的画家十有七八都会受到他很大的影响。要怎么样赞美毕加索呢，我在一篇文章中写过，毕加索是这样子来的，上帝第六天造人，第七天休息，第八天造毕加索。有这么一句话，“谋事在人成事在天”，上帝有所建议，毕加索加以处理、加以实现。什么叫上帝有所建议呢，就是说，大自然的风云雨露，大自然的景色，人间的种种景象，到了毕加索面前有一个“毕加索挑选”，有一个“毕加索解释”，所以倒过来说谋事在天，成事在毕加索。

　　毕加索是西班牙人，1881年出生在西班牙南部地中海边的一个海港城市，叫马拉加，我在欧洲旅行时特别去看了一下。他14岁就画得蛮成熟，画他的父母，画他的亲人、朋友画得非常像，这已经是一个天才。不过这样还不够，到后来他的天才成熟了，打破了欧洲以前的传统，把人画得只有他能画出人的那种样子。

　　西班牙跟法国、意大利不同，法国和意大利风光柔滑，而西班牙是一块比较荒芜的高台地。这个台地是斜向非洲而背向欧洲。欧洲人认为西班牙不算欧洲，真正欧洲是法国、英国、意大利和德国，西班牙在自然方面比较独立。所以我们这样说，由于毕加索的画风变得很多，像孙悟空变七十二变，我们把它分成几个阶段来看。

　　立体主义是怎么来的?

　　毕加索在20岁左右去了法国，最后索性定居在巴黎。那个阶段可称之为“蓝色时期”，画的大半都是下层阶级，穷困的夫妻、孩子、流浪汉、不得意的人物。这个时候他是受了多米的影响也受了普鲁斯的影响。这个时期过了以后就到了他的第二个时期叫“玫瑰时期”。

　　在这个时期，他的画已经摆脱了犹豫的深深浅浅的颜色而变成了粉红色。粉红色表现生命有起色，表示自己所看到的世界比较可爱，比较亮丽。西方文字包括英文“ROSE”，玫瑰的形容词就表示美好的意思。这个“玫瑰红时期”画的是什么呢，也还没有画到中产阶级，画的是卖艺人家，马戏团的小丑、马戏团的空中飞人等等。就是马戏团这个大家庭里面的代表人物。

　　第三个时期是“原始时期”。毕加索在这个时期受到很多非洲艺术因素的影响。他最先看到是在法国的南部，就是在康城阿蒙特卡罗那一带法国东南部沿地中海，离地中海还有一小段路。所以他当时有一个代表作叫亚威农的少女》，这些姑娘们是黑人。还有，毕加索注意到了非洲平面的面具，还有非洲某个地方的雕塑。把这些加起来，他把欧洲文化原始化，画出脸谱一样的非洲人的面貌，这个时候是非常重要的。因为他从这个时候起就已经摆脱了欧洲比较传统的横向画的一些行为的传统。第四个时期也是很重要的一个时期，叫“立体主义时期”。毕加索的立体画是将一个立体的物体或者人体分成很多很多面，而这些面同时出现在画布的平面上面，所以这个时候就是把世界整个拆开来看的，这个当然也是受了他的前辈、法国画家塞尚的影响。

　　塞尚说，我们不光注意光的作用，不光注意色彩，也要注意本身物体的结构，要有一个节奏的感觉。所以从塞尚起把颜色推到次要的程度，把物体的重量感、体积感作为绘画的用心所在。这种看法到了毕加索的时候，索性把整个世界打破了，每样东西都变成一块一块的，这个时候叫做“分析的立体主义”。等把世界拆散以后，觉得够散了，这个世界已经可以改造了，于是再拼拢来就变成了“复合的、综合的立体主义”。这个时候就看出样子来了，看得出物体的样子来了。

　　就是这个变化，把整个世界解构了以后又再把它重新拼装，这样两次一来一往，西方的画就在毕加索的手里有了一个极大的革命。所以从毕加索起，后来的画派，包括“未来主义”，很多很多主义，还有抽象主义等，很多画派都是从毕加索的立体主义里面重新得到升华。如果大家看过夏加尔的画《我和我的村庄》，一个码头三角形，码头里面还有马，这些人物都是几何构图，或是一个圆形，一个三角形，一个菱形，诸如此类，一个画里面有几何图案的感觉。很多人的活动都在几何图中进进出出来表现。所以毕加索既承先也启后。

　　从变形时期到表现主义

　　再下一个时期从1918到1925年，差不多7年的工夫，是古典时期。他又回到中世纪去了。他在这个时候多看罗马的壁画，多看希腊的大理石的雕刻，所以他就画了很多古典作风的画，再接下来又遇到了他的早年的一个实验，就是“变形时期”。所谓变形，不光是物体变形，尤其是人物要变形，这个时期的画比较不容易看，一般的观众看到这个地方，有的人会不喜欢，有的人就没有耐心看下去，你必须坚持看，要看出道理来之后，有一个巧力进入这个门就深入毕加索了，如果你不欣赏毕加索的变形时期的话，你对毕加索的三昧还没有把握住。

　　对于他这在这个时期的画我有几句来形容，四肢异位、手脚交错、五官互调，眼睛鼻子都换了位置，画丑为美，我们才可以深入进去了解毕加索。说到这里讲一下，西方绘画在中世纪的早期交替的时代还是平面的，到后来要把握这个现实感，就有两个技巧。一个叫透视法，就是说从此地到远方，如果两条平行线到远方交于那一点，就是说我们画成第一批画的深度，到底有多远要画出来，近者大，远者小，叫透视法。

　　还有一个，物体哪边是背光、哪边是向光，就是明暗烘托法。有了明暗烘托，我们知道物体跟光的关系，有了透视我们知道物体远近的关系，有纵深。这是西方画写实的两大坐标，可是毕加索更进一步。因为传统的画是用两度空间，一张画布有多长多宽是两度空间，可是要画出三度的立体感来，有多远有多亮要画出来，这是二度空间来暗示三度空间。

　　毕加索灵机一动，他怎么样呢?他加上一个空间，二度空间要来表现四度空间，第四度是什么度呢，就是时间，将时间带进去。因此你看到他的画里面的人物，一只耳朵在下面，一只耳朵在上面。可是在下面的地方还是有一只耳朵，就是等于是在反反复复，毕加索想把这个动感，这个动作的方向跟这个物体能够联系起来，他做了很多暗示。你如果把这个看出来之后，你就觉得毕加索很有趣，他并不是在乱画，他是一个老顽童，他在跟我们捉迷藏，你要把这个老顽童抓住了他就不变了，你才真正进入毕加索的奥秘了。这个变形时期来来去去，后来他就始终没有摆脱过。他有一幅画，叫做《少女在照镜子》，你看到这个少女有一半是穿着衣服的，有一半是裸体的，有一半肋骨也看见了。他要画少女照镜子的三个状态，一个是穿衣服，一个是脱衣服，一个是X光照的，你要看出这三种情况来就行。

　　然后他又到了“表现主义时期”。表现主义有所感，有感情，有思想，有不吐不快的一种感情压在心底，必须要奔放出来。印象派是北欧的、南欧的画家，比如法国的马蒂斯是画印象的，到了北欧日耳曼民族有一种哲学思想，有一种悲情是画表现主义的。

　　毕加索为什么也画表现主义，因为他觉得这个世界不够人道，尤其是在二次世界大战，因为纳粹把犹太人灭种，纳粹的暴力，所以激发起毕加索打抱不平。世界大战在欧洲是1939年开始到1945年结束，那么在这个之前的两年1937年，那时候纳粹已经抬头了。而这个时候西班牙正在内战，西班牙当政者跟纳粹是相通的。所以，就在1937年的5月的某一天，正是赶集的时候，西班牙北部的一个小镇，就有一架有着纳粹的标记的飞机，飞到这个小镇来，投燃烧弹，一路烧过去。因为新发明这种燃烧弹要试验一下，就拿活人来试验。三个半钟头这个小镇上死了2000多人。当时当时巴黎正在做国际商展，西班牙政府请毕加索画一幅画来参加，毕加索就画了《格尔尼卡》。

　　最后，我再讲一讲他的田园时期，他的晚年因为经济情况很好，所以就爱住哪里就住哪里。他就从巴黎搬到法国东南部地中海沿岸靠近康城，靠近蒙特卡洛。有两个地方，一个地方是制陶的地方，他就向这些陶工请教如何制陶，他建议他们如何做得更美，他也就做了很多。于是那他们的生意就更好了，大家都很感激他。附近还有一个地方在海边，他的《安提贝夜钓》就是画这个地方的，这是他晚年所住的地方。

　　他晚年还有一个说不上的时期，因为他前前后后做了很多，就是把古代的、他的前辈画家画的名著拿来变掉，比如说莫奈，就是印象派最早的前辈。他画的一幅画叫做《草地上的野餐》，草地上两个绅士和两个女士在野餐，这两个女士穿的也很少，他并没有把这两个女士说成两个女神，说这就是法国中产阶级普通的市民。巴黎人很愤怒，就说你要重新去画，所以这个画稍稍变一下就会引起很大的波动。毕加索就把这幅画又变了一下，把两个绅士拿掉一个，变成一个绅士。所以这就是毕加索一生的发展。

新视觉：对于你的作品很多人都会将其看作古典写实的风格，但细究下来似乎又没有那么简单，你是怎么样看待写实绘画在当前中国的发展，又是如何界定自己的作品？

郭润文：古典绘画我是这样理解的。首先我并不认同我的作品是古典的，所谓古典是具有历史赋予的特殊属性，历史赋予他具有一个特殊环境下所谓经典的概念，现在的理论家习惯把古典这个词挂在嘴边，可能是基于文章好写一点，类别好划分一点，就是把古典的手法跟绘画放到古典主义的概念里面，类似于表现主义的手法放在表现主义里边，这样他们谈起来比较容易规范一些，容易划分一些。事实上艺术家并不认可自己是古典主义画家，为什么？因为古典主义有特殊的情节和图式，跟当时的历史、宗教、政治整个社会环境有非常密切的联系，才能产生古典绘画这个概念。现在我的手法是借用了19世纪前油画的手法来表达绘画，我的作品从外表上的技法，包括色调和手法类似于古典主义的绘画，但并不是真正的古典主义作品。我是一个现实主义画家，只是借用了古典主义的技术和表现方式而已，真正内在的还是现实主义。

新视觉：《永远的记忆》或者说记忆系列被看成是你风格转型后的作品，对于这一系列的创作你是基于何种思考完成的？

郭润文：所谓记忆系列是一个特殊历史环境——上世纪90年代初期人们都在思考的问题，各种不同的流派分化产生，而那个时候在我的历史轨迹里是寻找一个对我小时候或者是我上辈的一种追忆，对他们的行为、对他们生活状态的追忆。那个时候我的心态是对那个特殊时代的感情，是把一种怀旧的感情放在我的油画里面去进行表述，比如说《永远的记忆》、《封存的记忆》、《梦回故里》等等，我把小时候的但现实生活中已经不太能够见到的情结用我的油画加以传达。

                           《永远记忆》布上油画121x116cm 1993年副本

新视觉：其实一个艺术家在个体艺术语言或者风格固定后的转变势必会冒很大风险（受市场、名气所累），你当时为什么会有这样的想法去尝试新的绘画创作？

郭润文：一个艺术家的艺术风格是需要很长时间的积累才能产生出一个明确的风格状态。我的创作手法，从头到尾是没有本质上的改变。但是我对主题上寻找的改变是非常明确的。比如上世纪90年代的早期和中期，我把记忆和怀旧的情绪定为当时创作的主题；之后的作品主要表达的是对当下社会和生存环境的关注，这些关注实际上表达了我内心比较新的态度。我觉得追忆对过去的情绪只是生活中的一个片断，真正现实生活中的生存环境和现实生活中的一些非常重要的事件，才是我创作中最重要的东西。我把主题进行调整和改变是基于我对现实的关注，风格手法虽然有改变但也是非常微妙和微小的，并不是彻底的转换。

新视觉：《永远的记忆》在2011年拍出了1050万的高价，也创了你个人拍品的成交记录，这样的一个记录的产生对你的创作有没有影响？

郭润文：我的作品之所以能够产生这个价格，我并不认为是作品比以前画的更好了，尽管有很多人说我的作品画的越来越好了，在某些情况下我的作品比原来成熟了很多，但是我也有过很好的时期， 90年代初期我的绘画状态很好，表达的东西也非常干净，没有外界的干扰，《永远的记忆》也产生于那个时期，之所以创出1千万的成交价格不是因为我的绘画改变了，而是因为收藏家的眼光改变了，过去的收藏家在早期进入市场以后都带有很多的盲从性和盲目性，他们买的东西也许会出现市场的追捧，产生很高的价位。但现在收藏家的眼光不同了，更加成熟了，他们选择收藏艺术品的标准也发生了改变，一个是看艺术品精神上的价值，另外一个是作品有没有艺术本质上的收藏价值，他们现在收藏作品会从这两个角度去考量，一个是技术层面，一个是精神内涵。作品能够融合这两者的藏家也就会出很高的价格去收藏。我认为现在的收藏家眼光已经具备了，他们买一些比较有价值的油画也是必然的事情，因此我的作品在这个时候被藏家以这样的一个价格买去也是对我个人艺术技法和境界上的认可。我觉得今后这种事情还会发生，但我不会因为作品的价格高了就把某种图示作为唯一的善本来表现，我会不断的依据对现实生活的感悟去发现新的灵感，寻找新的题材去创作，而且我始终认为好的艺术品在市场的表现方面也必然是好的。

新视觉：但现在也存在一种现象，就是艺术家为了迎合市场，迎合藏家的个人喜好去进行艺术创作，你对于这种做法怎么看？因为你在很早就接触了艺术市场，从上世纪90年代你的作品就已经有很好的销售。

郭润文：我是这样认为的，这种现象的产生应该是基于两种可能，有些是艺术家出于经济上的考虑，他会把自己的作品用来迎合收藏家的需求，这种艺术家是有的；但我认为更多的艺术家的作品是刚好与收藏家的兴趣达成了一致，这也给旁观者产生了一种假象，有人会说：“这位艺术家在迎合市场画画”。我不这样认为，我认为优秀的艺术家是在自己的艺术道路上寻找到了一个创作点，然后持续不断表现一种状态，或者一种手法，他们在寻找这种东西的唯一性和统一性，这并不是为了迎合市场，但问题是他的市场确实很好，作品确实很棒，收藏家则成为了追捧者。尤其是写实画家要研究一个问题、一种艺术方式是需要花费一辈子的精力去完成，我们与19世纪以前西方的艺术家不一样，缺失了一个经验的积累过程，我们的作品是需要很长的自我封锁、自我探讨和研究的时间去完成，等我们的艺术有了真正发光的时候我们的年纪一经比较大了，当我们更加成熟的时候，或者能产生一种惊天动地的作品的时候，人的生命或许已经不存在了。我为什么说中国的油画家尤其是写实的油画家在研究传统油画时所付出的代价之高，是因为这是需要一辈子来研究学习的。因此我们可以看到很多油画家在不断的尝试，我们应该怎么看到的是他们得作品越画越好了，越画越精致了，越画越深入了，这样想来，对于他们作品的市场反应也就释然了，不能仅仅看到作品被市场高价收购的现象，更应该看到艺术家在背后的个人努力和艺术探索。

新视觉：情感以及对记忆的纠结一直是你作品的创作主线，但我们也看到在你的创作过程中，题材的变化是很频繁的，你是否有过考虑将个人的创作题材进行固定呢？

郭润文：我与其他艺术家的不同之处在于对技法深入和纵向的研究，对题材的把握完全是有感而发，这是我的特点。我不会把一个东西长时间或者是几十年的进行探讨。我会用我的作品把对身边产生的感动、震撼加以记录、陈述，如果没有震撼和感情，无法产生激烈的冲突时候我会去选择我所熟悉的东西去表现，一旦有了能够震撼我的题材我就会放下所有的事情去表达这些东西，这是我和其他画家不同的地方。

新视觉：也就是说，你的作品是跟你日常生活一些感触是有关系的，是进行有感而发的创作，而不是应景式的创作。

郭润文：对。

新视觉：你从事写实绘画已经数十年了，在国内看来写实绘画总是喜欢被冠以传统之名，对于这样一种说法，作为一个长期从事写实绘画，讲究写实技巧的艺术家而言，你是怎么看待的？

郭润文：这个事情要分两步看，首先是写实主义画家的表现手法的确是19世纪以前的，这一点不能否认，我们要学习油画就必须从传统中找根源，找源头，找他们的发展史，对大师的技法进行一种研究，特别是向大师学习。基于这点人们看到你的手法样式，发现有很多影子在里面，这并不奇怪。但同时也有一个问题，就是人们在审美意义认识上普遍的把传统写实认为是一种保守的，对于这种观点我是不赞同的，保守与否不能以创作的手法来判断，而是要从艺术家所要表达的思想方面去考量，他题材是否具有准确性、批判性和敏感性，应该从这个角度去看问题，而不应仅仅是从手法上看问题。如果要这样看的话，实际上我们会看到很多东西有新传统和老传统之分，为什么这样讲？老传统放在19世纪以前，新传统放在19世纪之后，我们在19世纪可以看到印象派、立体主义，表现主义，超现实主义，未来主义、野兽派等等众多的艺术流派，在中国很多当代艺术界里的艺术家中都有学习和模仿他们的案例，这是不是也是一种保守的体现？既然大家都是模仿和学习的状态，就不应该把学习19世纪以前的看作是保守，而学习19世纪以后的就看作是前卫。欣赏一件作品我们应该看它是不是用最恰当的手法深切表达了对社会、对现实的态度，我觉得这样才是比较客观的。

新视觉：在当代与传统的界定已经很模糊的当下，你有没有想到有一天放下画笔转而投入到新的艺术探索之中，比如装置或者雕塑？

郭润文：对我而言学习油画是一辈子的事情，我可能不会放下画笔，但是我会做一些延伸的艺术作品，比如版画、雕塑，雕塑我现在已经在尝试了，包括特殊摄影、影像作品我也会做，但是这些作品只是我油画的延伸，并不是说我会把画笔彻底放弃转而成为很彻底的比如影像艺术家里面去，我不会完全置身于这个行业，但我会去尝试。我这样做的目的是对我油画的一种扩充，以至于同当代发生更多的联系而已。

新视觉：2010年你的身份发生了很大的改变，在油画协会以及中国国家画院都担任了很重要的职务，以及你现在在广美担任教授，也有行政工作，面对如此众多的行政职位，你又是如何平衡工作和创作之间的关系？

郭润文：现在是这样的，在行政方面我可能与其他人不同，往往别人是在30—40岁年富力强的时候就开始担任行政职务，而我现在是50多岁了才开始担任职务，这对我来讲是一个考验。而我的职务又与机关里行政干部的职责不一样，有很大的宽容性，这也要感谢两院领导对我的信任，他们说：“你的重点主要是创作，然后才是组织管理，比如学术上的组织工作。”这样就对我的工作设定了一个范围，就是只看我的最终成果，过程他们不干涉，不会经常把我召去开会，然后交代研究任务，但是要看我的结果。比如这次国家画院会有一个30年的作品展，他们给我的原因也是只看我给出的最终结果，于是我就去做了。在做的过程中也有一些非常好的协助合作的领导和同事，借助他们的工作经验也会使我做的更好。在学院里面，我担任造型学院院长的职务，本身的性质就是对于学术的扩展，我做这些事情需要花一段时间，所以就需要我把过去用来休息和玩耍的时间拿出来，因此目前我的绘画还没有受到颠覆性的影响，不会彻底失去画画的时间。而且我也不断有新的作品呈现出来，但以后会不会有什么改变我还不清楚，但我觉得先这样工作一两年再说，如果影响太大我会撤离。

新视觉：你现在是造型学院的院长，又在2010年被评出德艺双馨杰出教师称号。但学院教学中会依据一个固定的纲要进行教学，在这个过程中你是如何把个人的艺术经验通过教学传递给学生？

郭润文：教书我有一个非常重要的手法，就是在上课前我会去了解学生的基本情况，分析学生所处的状态，然后根据这些制定上课的方式。我在教学中大多采取示范的形式进行授课、讲解，之后再进行个别的辅导。同时在当下这样一种信息高度流通的状态下，学生的信息量不见得比老师差，那么我个人对艺术的主张就不见得被所有的学生所认可。那怎么办？我认为教师把自己的经验告诉学生以后，还要把你对艺术和美术史的看法、态度告诉学生，让学生有一个更加宽容的理解性，通过你的诱导、指点或推荐，让他们在课外有更多相关的资料和作品来进行学习。

但在对当代艺术的观念创作领域，教师应该尽可能的通过你本人的经验来传授，不要把自己不懂的东西讲给学生，也不要盲目的对某种东西下判断。学生有尝试的过程，对学生的创作也不要武断的批评，应该给予学生自我考虑的空间，就是让他知道是否真的适合这种类型的艺术方向？你要让学生知道这一点，并加以鼓励，推荐优秀的作品，让他们在资讯里面去学习，个人的经验是非常微小的，而且一个艺术家不是神仙，不是所有的东西都知道。

新视觉：肯定会有很多学生毕业之后会往职业艺术家得方向走，但现在市场的诱惑又是这么大，很多年轻的学生一毕业以后很有可能会被某些画廊和藏家相中他们的作品，你对于这样的现象，对于年轻艺术家现在所面临的市场诱惑又有什么忠告给他们？

郭润文：学生进入市场，进入画廊我觉得不是一个坏事，相反是一个好事情。第一解决了他们的生存问题，让他们更加有精力去表达他们的艺术，第二这也是必然，除了拥有一个体制内工作之外，如果还想进行艺术创作的话就必须进入市场。第三年轻的艺术家进入了市场怎么去判断他的艺术是否符合市场的某种约束？比如画廊让你画一个东西，你是否准备去画？这就需要商榷，需要自己去判断。一个艺术家必须要想到这一点，你是发展中的人，不是固定的，你的艺术创作不应该仅仅停留在维系生活的画廊层面，年轻艺术家的艺术创作道路是非常漫长的，应该把这些当成艺术生涯中的一个过程。如果说这个东西违背了你的艺术宗旨，违背了你的艺术发展就要拒绝，宁可收入差一点也要拒绝。

出生地120x205cm 2003年  布上油画

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心象画廊筹备中，在西安世纪金花，前期以油画为主，年内开张。

卢丽霞个人画展《收获》系列于10月14号周五晚七点，在徐汇区复兴西路34弄2-3，戴斯蒂诺珠宝会所举行见面会，欢迎大家莅临指导！交通：地铁1号、7号线、10号线上海图书馆站，近乌鲁木齐中路。展期至11月14日。

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“上海颜文樑艺术促进会会员作品展”开幕，名誉会长肖峰为展览及画册提词“沧浪清流”，会长李醉带领百余位会员参展。
2011年7月30日至8月23日在盛和堂艺术中心（金沙江路1340弄敦奴大厦12楼）举办。

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颜文樑 威尼斯圣保罗教堂 16×24cm 油画 1930年.jpg

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(4)寺院深深 81X65CM 布面油画s.jpg

油画 百合花 70x70cm 2008s.jpg

1994 白求恩170乘200厘米s.jpg

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方世聪(中)向观众介绍他的作品《生命流注》

　　昨天下午，《品心象——方世聪艺术作品展》在汤臣一品艺术展厅隆重开幕。此次展览展出了著名旅法画家方世聪数十年来创作的近70幅油画、水墨、色粉及速写作品，包含“人物肖像”与“宇宙人生”两大系列。人物肖像作品捕捉到了每个人不同的特征与情感，让画中人跳脱平凡；“宇宙人生”系列作品则以生命的符号构成了画面中生气勃勃的造型节奏。展出作品高度概括了方世聪的艺术观：“用心作画，感悟生象，象由心生，物象传心”。
   
　　方世聪旅居海外17年，现为南京艺术学院及上海师范大学美术学院客座教授，在法国被誉为继赵无极、朱德群之后的中生代杰出画家。2000年他曾受邀在上海美术馆举办《方世聪作品展》。2010年其油画《龙舟载道》陈列于上海世博会主题馆贵宾厅并获世博会特别贡献奖。
   
　　本次展览持续至7月28日。

方世聪老师等人在复兴公园写生

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　　新浪收藏讯 《大湖上下——海上六人行》画展于4月16日在美兰湖国际美术馆开幕。本次展览汇集了闵希文、张自申、詹鸿昌、卢象太、方世聪、陈行六位上海知名艺术家的作品。这六位出生于三、四十年代的老艺术家背景各不相同，作品风格迥异，从各自不同的角度展示出他们的艺术人生。改革开放后，作为国际大都市，上海的文化发展呈多元化，“海上六人行”中的作品，既保留了历史的痕迹，又展现出海派文化当下的风貌，是多元文化中璀璨的一元。多年来六位老艺术家孜孜不倦地吸收东方文化传统和西方的艺术精华，走出了他们各自的路。他们的作品折射出中西文化交融的光辉。“海上六人行”画展是上海艺术界的又一次视觉盛宴。
　　美兰湖国际美术馆地处上海市宝山区罗店，风光秀丽，湖光潋滟，《大湖上下——海上六人行》艺术作品在此展出，实乃美景、美学与艺术的完美融合，将给人们带来一次宁静的艺术享受。本次展览由美兰湖国际美术馆主办，上海方世聪国际文化艺术有限公司协办，展览时间为4月16日至6月16日。

经典名作中外欣赏1

经典名作中外欣赏1

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《盗墓笔记8的书到底何时出版啊？！谁有同人第22章？

来源: 山东商报

2010年穿梭在各大艺术品拍卖现场的新老藏家几乎都在感慨艺术品收藏市场的火爆，诸多藏品的价格一路飙升，节节上扬，不断改写着中国艺术品“天价”的概念。谁都不能否认2010年是艺术品拍卖市场创纪录的一年，但2011年艺术品市场究竟火到什么程度?中国书画将面临怎样的机遇与挑战?能否保持继续上涨的势头?其他各个收藏板块又会出现怎样的变化?谁又能成为新的增长点？
　　1　书画市场四大断想
　　近现代书画火爆继续
　　2011年，近现代书画整体上涨的势头还将继续。北京翰海副总经理张跃进根据2010年秋拍形势，认为近现代大师在美术史上的地位已确立，在藏家和买家心目中具有很高的认可度，而他们的价格在过去一直被市场低估。如果与西方现代画家相比，二者的价格有天壤之别，西方近现代大师的作品动辄就是几千万美元，我们还远远没有达到这样的水平。随着国家经济水平的提升，近现代大师的作品价格应该有上升到这种水平的实力。
　　2010年，在近现代书画市场上，张大千、李可染和徐悲鸿的个人成交额都相继过亿，谁将是下一个作品过亿的大师呢?当然，齐白石、傅抱石、黄宾虹、潘天寿、林风眠都有迈入亿元大关的潜质。在艺术史上具有重要地位的近现代书画领头人的价格还有进一步上升的可能性，除了这些一线大师之外，各个地区具有代表性的画家也非常值得关注，因为每个地区都有一批买家，在拼命追逐本地区画家的作品。
　　古书画春天尚远
　　2010年，《砥柱铭》、《寒食帖》再创中国古代书画拍卖新纪录，为中国书画价格创造了一个新的高点，古书画整体价格也呈现大幅度上涨的趋势。但古代书画一直处于被认识和了解的阶段，价格被严重低估，近年来也是处于价值发现和回归阶段。
　　虽然在2010年有多件古书画以上亿元的价格成交，但“只能说这个市场还不错”，古书画市场的春天尚远。因为，在目前，古书画的高价很多都是局限于《石渠宝笈》，现在的买家过分注重《石渠宝笈》，很多买家迷信于“宫廷收藏”和“皇家文物”，很多人觉得买了这样的作品可靠，以后的增值幅度大。此外，有的水平并不高的作品表现得有点过头，而不是根据古书画的艺术价值定价。古书画市场不缺资金，也不缺竞争，缺的是精品。
　　当代书画稳中有升
　　当代书画在2004年至2006年上升之后就一直处于调整期，除了少数当代名家作品为拍卖市场看好之外，当代书画的整体价位并未达到应有的高度。2011年，当代书画同样也面临巨大的机遇。首先，中国书画价格整体提升是拉动当代书画发展的必然。在当代书画市场上，那些在市场上出现时间较长，且运作得比较好的画家价位已经上升到一定高度，已经形成了一个畅销体系，形成了一种很完善的商业模式。他们的作品成为当代书画市场上的“硬通货”，比如黄永玉、何家英，他们的作品整体价位已趋合理，有的价格还过于偏高。在整体价格拉升下，处于中低端价格的当代书画也会随之上升。其次，近年来，当代书画受到更为广泛的认可，在国际上获得越来越高的认可，具有很好的市场基础;再者，当代书画一直存在巨大的民间收藏力量，很多是通过私下交易的，这种交易量也很大，书画市场的整体提升，是拉动当代书画进一步发展的根本。
　　书法市场量价齐升
　　在当前，虽然中国书法不乏出现惊人的“天价”，但中国书法市场整体是处于低位状态，古代书法大家的作品位居中国书画的顶级价位，而大多数书法作品的价格都是一个低价位，呈现严重的两级分化。由于书法艺术本身的特殊性，一般人很难欣赏，参与者人数不多，因此市场一直比较小。随着市场上几件“天价”的出现和市场的培育，2010年，书法市场上，除了古代大师，郭沫若、于右任、林散之的成交都不错。2011年，书法作品价格上涨是市场发展的必然，但基本还会以古代和近现代的书法作品为主，当代书家的作品主要还是集中在启功、沈鹏等几位大家上。其中，书家的身份、地位起到决定性作用，最为看好的当属名家书法和信札手稿。
　　2 石头行情火似“大红袍”
　　田黄价格逼近万元每克
　　2011年元旦前后，在泉城济南山东大厦举行了两场寿山石展销会，不乏单件价格上百万元的精品。有的一方印章就达到七八十万元、百万元，著名雕刻大师的雕件有的标价高达600万元，甚至上千万元。而据了解,像这些大师的藏品，在上世纪八十年代只值几千元一件，现在却能定价到数百万。而“石中之帝”田黄早就有“一两田黄三两金”的说法，现在的价格成了“一两田黄十两金”。中国嘉德2010年春拍中“国石国艺”专场也是以田黄作为重头戏，占总成交额的半数以上，其中寿山田黄石摆件《弥勒》，117克以112万元成交，如此算来，上等田黄的价格已接近一万元一克。
　　福州新邦实业有限公司的纪淼先生说：“寿山石矿区早已封矿，严禁开采。田黄石产区最后的两亩地也已用水泥封死。由此，寿山石价格大幅上涨是必然的。另外，随着时代的发展，人们的消费趋势逐渐从房子、车子这些生活基础方面悄悄转向了以精神领域为主导的艺术品鉴赏收藏方面，艺术品投资市场表现出的活力正在被越来越多的投资者看好。因此，作为既属于艺术品领域又属于不可再生资源的寿山石，越往后走价格会越高。”
　　鸡血石半年涨了3倍
　　潘汉民先生是昌化鸡血石产地土生土长的汉子，也是一位经营鸡血石的行家。2009年夏天，他家的一块大红袍鸡血章（2.5厘米见方，10厘米高），当时对外报价是60000元，而就在不久前这块章料竟然涨到了18万。他说，这个价格还是保守价，在别人手里报价还高。2009年上半年，潘汉民的舅舅著名雕刻大师钱高潮花2000万元买了一批鸡血石毛料（多为大红袍原石），大小从几十克到几百克、几千克不等，总重不足百公斤，而现在估价已经过亿了。浙江昌化伴石轩的夏文瑞先生表示，由于鸡血矿已经禁采两年，好的鸡血石一路看涨，尤其是2010年下半年，价格涨了3倍，有的十几倍。如果今年继续封矿，价格还会涨。
　　老玉价比新玉贵10倍
　　在2010年的艺术品拍卖中，一些涨幅曾落后于中国书画、瓷杂类项目的投资品种正在爆发出强劲的活力。玉石翡翠类就是其中之一，如苏富比推出的一方清乾隆御宝交龙钮白玉玺以超过1.2亿港元成交，刷新了御制玉玺世界拍卖纪录和白玉的世界拍卖纪录。中国嘉德、北京保利、北京匡时等拍卖公司都推出清代宫廷玉石、瓷杂玉器专场，都取得了不俗拍卖成绩。在民间市场，玉石翡翠类更是活力四射。
　　山东收藏家协会济南理事会主席崔义忠先生说：“真正的和田玉在市场上已很难寻觅，好的玉一般都不会轻易拿出来卖的。新玉尚且如此，老玉更不好找，而且上点年份的好玉价格一般是新玉的十倍，甚至几十倍。玉的价格一直是稳步上涨的，同样是艺术品，和书画相比投资玉相对风险更小。如果是初入此行，最好找人把把关，不妨先从新玉入手。老玉的价格现在依然很低，空间很大，但需要投资者具备相关的知识和眼力，否则很容易上当受骗。”
　　3 木比金贵
　　史上最贵的床
　　黄花梨木制成的家具浑然天成、无需油漆，而且无论寒暑甚至可以历经千年都不变形、不开裂、不弯曲、不蛀不腐。更为神奇的是，年代久者可以形成自然包浆，颜色会愈发好看。因此，黄花梨家具也有着“中国古典家具之王”的美称。而现在，黄花梨三个字蕴含的意义已经远不止于此……
　　2010年11月，中国嘉德在2010秋季拍卖会中首次推出了一个名为“简约隽永明式黄花梨家具精品”的专场，这也是迄今为止国内最大规模的明式黄花梨家具的专场拍卖。“件件精品”的61件拍品亮相后着实没有让期待它们的买家们失望，拍卖结果同样也没有让卖家和拍卖公司失望。这一黄花梨专场不仅创造了“白手套”(拍品100%成交)佳绩，总成交价更是高达2.59亿元人民币，平均每件超过400万元。其中，一件“明黄花梨簇云纹马蹄腿六柱式架子床”以4312万元人民币高价成交，创出黄花梨家具拍卖最高价的新纪录，成为“史上最贵的床”。另外，“清乾隆黄花梨龙纹大四件柜一对”也拍出了3976万元人民币，成为“史上最贵的柜子”。
　　黄花梨将“炒无可炒”
　　2011年-2012年可能会是明清古典家具尤其是黄花梨家具上升势头最猛烈的一年，明清黄花梨很有可能成为继字画、瓷器收藏之后又一个收藏热潮。推动的因素主要有三个方面：一是之前的价格一直被低估;二是随着古董收藏的火爆，越来越多的藏家开始青睐古典家具文化;三是藏家如果收藏到精品字画和瓷器也需要有与之相匹配的明清古典家具来陈设和展示。这样就会渐渐形成一个庞大的收藏规模，价格也会不断攀升。
　　专家普遍预计，再过五年，黄花梨可能就会彻底绝迹。尽管“20亿游资南下扫荡黄花梨”的标题经常见诸于报端，但是对于黄花梨，“炒无可炒”几乎是可以预见的。
　　谁是下一个“黄花梨”
　　目前黄花梨的价格已经远非普通投资者和老百姓能够企及的了，所以很多古典家具业内人士都认为红酸枝有望成为第二个黄花梨，目前红酸枝的价格仅为黄花梨的1/5到1/4，上涨空间更大。即便这样，红酸枝也是已经“起来”的品种了。
　　“现在黄花梨、紫檀、酸枝类家具已普遍被认可收藏，价格也将会居高不下。未来几年具有明清古典家具文化特质的榉木、金丝楠木家具也将会被收藏者所喜爱，还是值得藏家和投资关注的。它们目前价格还是较低的，未来可能会被广大喜爱传统文化的人所接受。”南京正大拍卖有限公司王爱民说。

来源: 人民网

为了助推社会文化和谐建设，弘扬中国传统艺术，推进中国画在当今中国社会的继承和发展，由天津市美术家协会和天津美术学院共同主办的著名画家白庚延先生作品研讨会暨“河汉无极——国画精品展”，于11月28日上午在北京饭店金色大厅隆重举行。此次活动得到社会各界的高度重视，百余位画院专家、美术理论家、收藏爱好者等应邀出席。这次展出的白庚延先生的20多幅作品，均为白先生艺术生涯中各个阶段的代表作。
在几十年的探索中，白庚延游遍名山大川，然而他绘画的取材更集中于北方山水。尤以黄河、太行、长城为重点。他擅于画水，所画黄河最富个性与创造性——或急流奔湍，或激浪拍空，或潮平如镜，或平波浩渺，寄托着他对养育了华夏母亲河的深厚感情。这些特点从本次展出的《雪浪壮观浩气生》、《潮平浪濶》、《白波流雪》、《涧谷雷鸣》可见一斑。他笔下的大山，多取高远之势，壁立千仞，浑融沉厚，气势强悍；展出的《冬晴寥落太行眠》可谓典型。他笔下的坡谷丘陵，多取平远之势，或清明，或朦胧，或跌宕，或辽阔，流溢着北国土地的诗意。其画法，大致脱胎于北派的斧劈皴系，以水墨块面和虚实处理为主，引入光的因素，赋予画面以阴晴明灭的变化和生命活力。浑厚、真实、亲切，强烈的整体感、现代感和充沛的诗情，成为其山水作品的基本特征。
作为在中国画坛有深远影响的艺术家，白庚延先生在天津生活和工作了近50年，在天津美院担任教授的几十年中，建构了一套完整的中国画教学体系，为天津地区培养了大量的美术人才，是天津艺术界的骄傲。
白庚延先生胸怀“山水画要为民族造像”的宏伟志向，数十年来，他着力通过山水画来表现中华民族自强不息的崇高品格和勇往直前的时代精神。他的画气象博大，豪迈豁达，人们从他的山水画可以明确地读出气象昂扬的当代中国精神。
附：白庚延先生简历
白庚延，祖籍河北景县，1940年出生於山东省德州市，1962年毕业于天津美术学院并留校任教。同年从王颂馀先生修山水、书法、画论。1973年至1985年为天津美术学院中国画专业负责人，对教学体系的形成起到了重要作用。生前曾任天津美院教授、硕士生导师、导师组负责人、天津高职评委、全国美展评委。英格兰剑桥国际传记中心副总裁、顾问委员会荣誉委员、美国传记研究院研究协会终身副总裁、顾问委员会荣誉委员。
白庚延创作的系列黄河及其它山水作品，是别具风格和时代风貌的艺坛经典，对前人有大幅度突破。他以热烈、奔放、拙朴、苍劲的风格内涵，创作出一件件情调古雅凝重的杰作，表现出他对中华民族终生不渝的爱。其作品多次参加全国美展和国际展览。

著名画家白庚延先生作品研讨会现场

著名画家白庚延先生作品



著名画家白庚延先生作品



著名画家白庚延先生作品



著名画家白庚延先生作品



著名画家白庚延先生作品



著名画家白庚延先生作品



著名画家白庚延先生作品



著名画家白庚延先生作品



著名画家白庚延先生作品

“突围•重构：影像艺术展”于2011年2月23日下午3点在上海香地艺术中心开幕

参展艺术家：王荣建 仇钧 方景华 唐浩武 袁徐庆

展览时间: 2011.2.23– 2011.3.5  /  10:00 – 18:00

展览地点: 上海香地艺术中心.上海市莫干山路50号3号楼108室

“Breakthough Reconstruction Photo Exhibition”

Artists:Wang Jianrong
Qiu jun
Fang Jinghua
Tang Haowu
Yuan Xvqing

CHANTILLY ART CENTER | 香地艺术中心
add:No.50 Moganshan Rd,Building 3,Rm 108,

putuo district,Shanghai,CHINA
中国上海市普陀区莫干山路50号3号楼108室
邮编：200060
tel: +86 21 62765199
xiangdiartcenter@163.com     www.chantillyart.cn

泛摄影时代的影像突围

——“突围·重构：影像艺术展”

参展艺术家名单： 王建荣 唐浩武 袁徐庆 方景华 仇钧

    摄影艺术的发展与影像科技的进步互为滥觞，互为牵引，从针孔成像到大孔径镜头，从湿版成像到数码成像，每次技术的革命都催生甚至直接影响了摄影本体语言与艺术观念的进化，同样摄影领域的拓展和摄影理念的变迁也需要摄影技术的不断跟进和升级。

    今天，随着数码影像技术和互联网技术的成熟，我们已经快速进入了泛摄影时代，摄影更加大众化、简易化和日常化，甚至出现扁平化、同质化的倾向。影像泛滥则是泛摄影时代的终极表现。其直接后果是充街塞巷的摄影作品全面解构了传统的摄影教条和评判标准，颠覆着以往摄影理论中的艺术价值观。所谓作为 “艺术摄影”的摄影已经死了，而摄影则刚刚萌醒。在主流摄影家们忙着争辩摄影是不是艺术的时候，“旁门左道”的艺术家们则已经把摄影当作媒介窃为已用，即通过摄影来为自己的艺术观念作品留影，悄然羽化成观念摄影家或新媒体艺术家。也成为了泛摄影时代最先突围出来的“摄影家”。然后事情并没有那么简单，摄影作为媒介与现实的联系是天然的，摄影中最为重要的纪实传统正逐渐回归，但甫一开始就处于被同化、被艺术化甚至被沙龙化的尴尬境地，人们不断在艺术、现实、观念三者之间转圈圈，于是摄影人依然面临着泛摄影时代的影像围城的困境。

    本次艺术展展出的五位艺术家的影像作品，尽管其表现的艺术观念存在不小的差异，但都是以摄影为媒介，试图通过复古、抽离、叠合、挪用等手段，重构摄影、现实、观念三者之间的关系；试图对摄影本体话语的再造，进一步强调影像背后的力量，重新思考影像艺术的本质，重新建构影像对现实的意义。他们的努力也正是泛摄影时代背景下对影像突围所做的尝试。

唐浩武

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唐浩武作品 民工黑板报：要鸡来找梁大爷2005年无锡（30寸）.jpg

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　　“学院力量——中央美术学院当代造型艺术展”2010年12月30日起在广州时代美术馆举行。这次展览由中央美术学院主办，中央美术学院美术馆、中央美术学院造型学院策划组织。展览将由新的角度展示“学院力量”，力求体现“学院精神”的内涵和高度。此次展览将举办至2月27日。      38位一流艺术家展示顶尖代表作
　　这次展览作品主要选自“造型：中央美院造型学院教师作品展”。它是2010年度中央美院推出的学术活动重头戏，体现了学院造型艺术的历史及当下成就，不仅全面展示了中央美术学院造型学院的整体水平，还包括了不少代表当今中国造型艺术最高水准的重量级艺术家及其作品。此次来到广州的共有38位艺术家的作品，涵盖了靳尚谊、隋建国、刘小东、吕胜中、姜杰、曹力、陈文骥、武宏、胡明哲等活跃在国内外艺术一线的艺术家。而展览的举办地时代美术馆新馆是国际设计大师雷姆·库哈斯和阿兰·弗劳克斯合作的作品，于2010年10月建成并投入使用，本身也是2005年第二届广州三年展的“三角洲实验室”当中的一个重要组成项目。

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李靖坤：

　　2010年夏，街头随处可见这样的广告语：“爱表演、不爱扮演；爱漂亮衣服，更爱打折标签。不是米莱，不是钱小样，不是大明星，我是王珞丹。我没什么特别，我很特别，我和别人不一样，我和你一样，我是凡客。”新鲜的语言方式和韩寒、王珞丹的形象代言，让人们熟知了一个互联网“快时尚”品牌——凡客诚品（VANCL）。随后不久，凡客“中毒”。
　　凡客“中毒”是在凡客诚品的这组广告推出后不久。因为广告语中鲜明的个人态度和表现形式立刻受到网民追捧，于是，互联网上出现了一个新名词——凡客体。凡客体，指韩寒和王珞丹代言的凡客诚品这组品牌广告的文案写法，以一系列“爱××，爱××，我不是××，我是××”的短句组成。古今中外、名人糗事，凡是热点几乎都会被网友拿来“凡客体”。 “凡客体”在微博、豆瓣、开心网等互动平台上迅速传播，传播速度有个形象的比喻：“病毒式迅速蔓延。”
　　实际上，这次“凡客体”的网络狂欢，只是网友自发娱乐，并没有凡客诚品的幕后推手。凡客诚品的副总裁杨芳认为，这恰好与凡客诚品想要传达的“真实的自我表达”不谋而合。而这次不谋而合，恰恰源于这次成功的广告创意。
　　韩寒和王珞丹代言的平面广告，是凡客诚品第一次推出的品牌广告。作为国内知名的服装电子商务网站，凡客诚品的广告最早都是在网络上投放。2009年下半年，凡客诚品开始策划品牌代言一事，但是，谁来做代言人合适呢？他们在网站上进行过代言人评选调查，也向广告公司征询意见，但选出的代言人，总让管理层“感觉不对”。
　　在公司经营策略上，总裁陈年(微博)思路很清楚，但凡客诚品的品牌究竟该是个什么形象他并不确定。最初他觉得可能是像H&M 那种的“快时尚”，后来发现“平民时尚”也许更合适。跟广告公司的合作也遇到同样的问题，凡客诚品先后接触过不下30家广告公司，看过很多广告提案，但凡客诚品的管理层却始终“找不到感觉”。
　　选择韩寒是一个偶然。一次开会，因为凡客诚品要做T恤，大家考虑是不是可以和韩寒合作一下。这时突然有个副总裁灵光一闪，说，那为什么不选韩寒做代言呢？陈年觉得这个感觉一下子就对了。他要的就是韩寒身上所蕴含的互联网精神。韩寒是从草根成长起来、由互联网成就的时代先锋。凡客诚品亦是成就于互联网的时尚品牌。韩寒既有极高知名度也有争议性。但是凡客并不担心韩寒的争议性，就是要剑走偏锋、打破常规。陈年直言：“我们就是要‘胡来’，互联网企业不需要条条框框的束缚”。“胡来”是陈年在内部经常说的话，意思是你要多尝试，不怕犯错。

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